Blog technique de tournage et tuto vidéo

Pourquoi la vidéo verticale domine les réseaux sociaux en 2026 ?

Mon, 04 May 2026 10:04:38 GMT

Qu’est-ce qu’une vidéo verticale et pourquoi est-elle devenue incontournable ?

La vidéo verticale est un format tourné en 9:16 , adapté aux smartphones. Elle occupe tout l’écran et correspond à la façon dont les utilisateurs consomment les contenus aujourd’hui.

Sur les réseaux sociaux comme TikTok, Instagram Reels ou YouTube Shorts, ce format est devenu la norme. Il représente environ 78 % de la consommation vidéo mobile .

Ce changement n’est pas technique, il est comportemental. Les utilisateurs tiennent leur téléphone verticalement et scrollent rapidement. Une vidéo qui ne s’adapte pas à cet usage perd immédiatement en impact.

Pourquoi les entreprises doivent produire des vidéos verticales ?

Produire une vidéo verticale permet d’augmenter :

le taux de visionnage
le taux d’engagement
la compréhension du message

Certaines données montrent que les vidéos verticales peuvent générer jusqu’à 9 fois plus d’engagement et un meilleur taux de complétion .

Ce format s’intègre naturellement dans les plateformes sociales. Il est donc favorisé par les algorithmes et mieux diffusé.

Qu’est-ce qu’une VSL (Video Sales Letter) ?

Une VSL (Video Sales Letter) est une vidéo conçue pour vendre un produit ou un service.

Elle reprend les codes du copywriting :

un problème
une tension
une solution
un appel à l’action

Aujourd’hui, les VSL ne sont plus des vidéos longues et statiques. Elles évoluent vers des formats courts, narratifs et adaptés aux réseaux sociaux.

Les VSL performantes reposent sur une structure simple :

un hook rapide
une situation identifiable
une transformation
une proposition claire

Les formats basés sur le storytelling (avant/après, problème/solution) sont ceux qui fonctionnent le mieux actuellement

Qu’est-ce que le UGC (User Generated Content) ?

Le UGC (contenu généré par les utilisateurs) est une vidéo créée par un client, un créateur ou une personne extérieure à la marque.

Contrairement à une publicité classique, le UGC est :

plus spontané
moins produit
plus proche du réel

Ce type de contenu fonctionne mieux car il est perçu comme authentique.

Selon les tendances actuelles, les vidéos UGC surpassent souvent les contenus trop “propres” ou trop publicitaires .

Exemples de formats UGC :

témoignage client
démonstration produit
vidéo face caméra type selfie
avis ou retour d’expérience

Pourquoi le UGC fonctionne mieux que la publicité classique ?

Le UGC repose sur un principe simple : la confiance.

Les utilisateurs préfèrent voir une "personne réelle" (peut être jouer par un acteur ) utiliser un produit plutôt qu’un message publicitaire trop contrôlé.

Ce type de contenu :

humanise la marque
réduit la distance avec le public
augmente le taux de conversion

Des retours terrain montrent que l’authenticité et le réalisme sont les facteurs clés de performance .

Quels sont les formats vidéo marketing les plus efficaces aujourd’hui ?

1. Vidéo courte (short-form)

Les formats de moins de 60 secondes dominent les réseaux sociaux.
Ils captent rapidement l’attention et génèrent le plus d’engagement .

2. Vidéo verticale native

Les contenus pensés directement pour le 9:16 sont plus performants que les vidéos recadrées.

3. UGC et contenu authentique

Les vidéos qui ressemblent à du contenu utilisateur sont plus efficaces que les productions trop lisses.

4. VSL courte et narrative

Les vidéos de vente utilisent désormais des codes narratifs plutôt que des discours commerciaux.

5. Vidéo interactive et shoppable

Les plateformes intègrent des boutons, liens ou interactions directement dans les vidéos .

6. Contenu personnalisé

Les vidéos ciblées pour des audiences spécifiques performent mieux que les messages génériques .

Comment réussir une vidéo verticale pour les réseaux sociaux ?

Quelques principes simples :

capter l’attention dans les 3 premières secondes
utiliser un cadrage serré (visage, produit)
intégrer du texte à l’écran (beaucoup de vidéos sont vues sans son)
penser mobile dès la conception
adapter le contenu à chaque plateforme

Une vidéo verticale peut de découper à partir d’un format horizontal. Mais elle se conçoit surtout directement pour ce format.

Quelles erreurs éviter en vidéo marketing ?

recycler une vidéo horizontale sans adaptation
faire un contenu trop long sans rythme
produire une vidéo trop publicitaire
négliger le jeu face caméra
ignorer les codes des plateformes

Aujourd’hui, une vidéo doit sembler native, simple et directe.

Quel avenir pour la vidéo marketing ?

La vidéo est devenue le format central du web. Elle pourrait représenter environ 82 % du trafic internet .

Les tendances actuelles montrent :

une montée du contenu court
une explosion du UGC
une adaptation constante aux usages mobiles
une production plus rapide grâce aux outils numériques

Ce qui change n’est pas seulement la technique, mais la manière de raconter.

Parcours et expertise en formation audiovisuelle

Thu, 18 Dec 2025 14:30:00 GMT

Comment débute son parcours dans l’audiovisuel ?

Le parcours d’Eddy Creuzet commence par dix ans d’animation radio, une expérience qui lui donne une maîtrise solide de l’audio, du rythme vocal et de la construction d’un contenu sonore. Cette base radiophonique marque son premier ancrage professionnel avant de découvrir un autre univers artistique.

Comment passe-t-il de la radio à la fiction ?

En 2003, la rencontre du théâtre déclenche un virage créatif. Avec une troupe d’amis comédiens, il se lance dans la réalisation de courts-métrages , apprenant la vidéo et la mise en scène directement par la pratique. Cette immersion dans la fiction devient un moteur d’apprentissage technique et artistique.

Quel rôle joue l’entreprise dans son évolution ?

À partir de 2006, il se tourne aussi vers la vidéo de communication en entreprise , découvrant les besoins du secteur : message clair, efficacité visuelle, tournage rapide, écriture adaptée. Cette expérience professionnelle enrichit sa polyvalence et reste aujourd’hui une partie active de son activité.

Quels métiers exerce-t-il aujourd’hui ?

Eddy Creuzet intervient comme réalisateur , chef opérateur caméra et formateur audiovisuel . Il cumule ainsi les compétences techniques (prise de vue, lumière, narration visuelle) et pédagogiques, ce qui lui permet d’accompagner aussi bien des débutants que des professionnels.

En quoi consistent ses formations ?

Depuis 2010, il forme à :
– la prise de vue vidéo (initiation, perfectionnement, accompagnement individuel)
– l’ audio et le podcast , hérités de sa carrière radio
– le montage vidéo sur Final Cut Pro, Premiere Pro et DaVinci Resolve
– l’ écriture de scénario , avec une approche claire et efficace pour poser les bases narratives

Quel est l’objectif de son enseignement ?

L’enseignement vise à rendre accessibles les techniques de l’ audiovisuel , à clarifier les outils, à permettre aux apprenants d’acquérir une autonomie réelle, que ce soit pour créer un film, un podcast, un contenu pro ou une fiction indépendante.

Teambuilding vidéo à Aix-en-Provence et Marseille : comment nos animations transforment vos séminaires

Wed, 03 Dec 2025 23:00:00 GMT

Pourquoi choisir des animations teambuilding vidéo pour vos équipes ?

Les animations proposées par Eddy Creuzet à Aix-en-Provence et Marseille visent à renforcer la cohésion d’équipe autour de valeurs comme l’entraide, le leadership, le dépassement de soi et la bienveillance. En combinant créativité et jeu d’acteur, ces ateliers offrent une expérience collaborative forte, idéale pour dynamiser vos séminaires.

Quels formats d’atelier sont proposés dans le sud de la France ?

Deux formats phares sont au cœur de l’offre :

Caméra Machine à Café : une animation inspirée de l’émission télé, dans laquelle les collaborateurs écrivent et jouent des sketchs humoristiques basés sur leur quotidien d’entreprise.
Faites Votre Film : les participants écrivent, tournent et montent un court-métrage, une parodie ou un clip, encadrés par des professionnels de l’audiovisuel.

Comment ces animations renforcent-elles la cohésion d’équipe ?

En sollicitant l’imagination, la spontanéité et la collaboration, ces ateliers brisent les barrières hiérarchiques. Les équipes travaillent ensemble sur un projet créatif, ce qui encourage l’écoute, la prise d’initiative et la solidarité. Les activités vidéo sont bien plus qu’un simple jeu : elles deviennent un vecteur d’engagement durable.

Quel est le rendu final des ateliers vidéo ?

Chaque équipe repart avec un contenu vidéo professionnel : sketchs en 4K pour le “Caméra Café”, ou court-métrage monté pour “Faites Votre Film”. Ces productions peuvent être diffusées en interne (journée de séminaire, réunion) ou sur vos réseaux, créant un souvenir tangible et valorisant.

Où se déroulent ces animations dans la région PACA ?

Les ateliers teambuilding vidéo peuvent avoir lieu chez vous (dans vos locaux), dans un lieu extérieur ou sur des sites de séminaire autour d’ Aix-en-Provence et Marseille . Ils sont totalement adaptables selon vos besoins logistiques et votre agenda.

En quoi le cadre local apporte une valeur ajoutée ?

La région Sud (PACA) offre un cadre inspirant pour ces ateliers : ensoleillement, ambiance détendue et lieux variés (terrains, salles, extérieur…). Ce contexte favorise la créativité et la déconnexion, essentiels pour que chacun puisse s’exprimer pleinement.

Qui encadre ces animations et pourquoi c’est un vrai plus ?

Les activités sont dirigées par Eddy Creuzet , réalisateur professionnel et formateur vidéo depuis plus de 20 ans à Aix-en-Provence et Marseille. Sa double expertise technique et artistique garantit des ateliers de haute qualité.

Comment personnaliser l’atelier selon vos objectifs d’entreprise ?

Les scénarios sont sur mesure : ils peuvent refléter vos valeurs internes, les messages que vous voulez véhiculer (lancement de produit, intégration, communication interne) ou vos enjeux RSE. L’atelier devient alors un véritable outil stratégique, pas seulement ludique.

Qu’en disent les entreprises ayant déjà participé ?

Les retours sont très positifs : les entreprises soulignent un renforcement de la cohésion, une meilleure communication interne et un fort sentiment d’appartenance. Les vidéos produites deviennent des supports de communication inspirants, en plus d’un souvenir collectif.

Les 9 secrets pour filmer à main levée sans trembler : comment garder une image fluide et vivante sans stabilisateur ?

Wed, 26 Nov 2025 14:00:00 GMT

Peut-on vraiment raconter des histoires authentiques sans stabilisation d’image ?

Le vidéaste ouvre une réflexion : et si la recherche d’authenticité passait justement par l’absence de stabilisation ? Filmer à main levée permet une proximité, une respiration, un ancrage dans le réel que les images trop “lisses” des stabilisateurs peuvent effacer.
Des cinéastes comme Paul Greengrass (dans Jason Bourne) ou Damien Chazelle (dans Whiplash) ont d’ailleurs utilisé ce tremblement maîtrisé pour renforcer la tension dramatique. Mais filmer sans stabilisateur ne s’improvise pas : il faut apprendre à transformer le corps en outil de stabilisation.

Comment ancrer la caméra dans son corps ?

Pour une prise stable sans trépied, il conseille de rapprocher la caméra du corps , en la plaçant contre le torse ou les hanches. Ces zones, plus solides, servent de base stable pendant que les bras restent statiques.
Ce type de posture rappelle les méthodes d’opérateurs de documentaire qui filment à l’épaule : ils laissent le centre de gravité du corps absorber les micros-mouvements, comme dans les vidéos de Sean Tucker ou de Pierre T. Lambert , qui expliquent comment “sentir” sa caméra comme une extension de soi.

3. Pourquoi le poids de la caméra change tout ?

Une erreur fréquente des débutants est de vouloir filmer avec un appareil trop léger. Plus une caméra est légère , plus elle retransmet les tremblements des bras. À l’inverse, ajouter un peu de poids stabilise naturellement les plans.
C’est la raison pour laquelle certaines équipes ajoutent une poignée (comme celle de la Sony FX3) ou un petit rig SmallRig. Ces accessoires alourdissent légèrement l’ensemble tout en offrant une meilleure prise. Le but : trouver l’équilibre entre stabilité et confort, sans transformer la prise de vue en séance de musculation.

4. Comment gérer le centre de gravité ?

En filmant avec la caméra proche du corps et bien équilibrée, on peut “encadrer le mouvement” : les bras ne tiennent pas tout le poids, ils accompagnent le centre de gravité. Cela permet aussi d’avoir un accès direct à la bague de mise au point.
Cette manière d’utiliser la gravité naturelle rappelle les techniques des opérateurs de documentaires immersifs comme ceux de Vice ou Brut, où la caméra bouge, mais sans gêner la lecture de l’image. L’œil du spectateur sent le mouvement humain, pas le tremblement.

5. Quelle est la fameuse “démarche ninja” ?

Quand il faut se déplacer en filmant, il recommande d’adopter ce qu’il appelle une “démarche de ninja” : jambes légèrement fléchies, pas souples, comme si on portait des œufs sous les pieds.
Ce déplacement fluide amortit chaque impact du pas sur le sol. Il propose un test concret : marcher avec un verre d’eau à la main — l’objectif est de ne pas faire déborder l’eau. Ce simple exercice montre comment la moindre secousse du corps se répercute sur la caméra.
Des vidéastes comme Peter McKinnon ou Matti Haapoja l’ont popularisé sur YouTube dans leurs tutoriels de tournage à main levée.

6. Quel rôle joue la focale ?

Les objectifs grand-angle (15 à 24 mm) réduisent naturellement la perception des tremblements. Plus la focale est longue, plus le moindre mouvement est amplifié.
C’est pourquoi, dans des films comme 1917 de Sam Mendes , les plans d’action à main levée utilisent souvent des focales courtes pour rendre le mouvement immersif sans être saccadé. Le grand-angle agit comme un amortisseur optique.
Même sans stabilisation optique, un 24 mm bien tenu produira une image plus fluide qu’un 50 mm.

7. Faut-il absolument un objectif stabilisé ?

Non, mais cela aide. Les objectifs stabilisés et les boîtiers à stabilisation interne (IBIS) , comme la Sony FX3 ou les modèles Panasonic GH6, offrent une réduction notable des vibrations.
Cependant, le vidéaste rappelle que la stabilisation ne remplace pas la maîtrise corporelle. Les conseils précédents restent valables, même sans IBIS. Le but n’est pas d’avoir une image figée, mais une image regardable et organique , comme celle des plans portés de The Revenant d’Alejandro G. Iñárritu, tournés à main levée avec un contrôle physique impeccable.

8. Filmer à haute fréquence d’image : une astuce cachée

Tourner à 60 images par seconde ou plus permet de ralentir les séquences en postproduction et de diminuer visuellement les secousses . Cette technique est particulièrement utile pour les plans filmés depuis un véhicule ou lors de travellings improvisés.
Dans les vidéos de Sam Kolder , cette méthode est souvent utilisée pour donner une sensation de fluidité quasi cinématographique tout en gardant la spontanéité du tournage à main levée.

9. La sangle : bonne ou mauvaise idée ?

Certains cinéastes utilisent la sangle du boîtier comme troisième point de contact, en la tendant autour du cou. Mais il déconseille cette méthode : sur un tournage long, le poids tire sur les cervicales et provoque des douleurs.
Cette solution peut dépanner sur un plan court, mais elle reste inconfortable sur la durée. Le véritable secret d’une belle image à main levée, c’est de transformer le corps entier en stabilisateur naturel , pas de s’attacher à la caméra.

Conclusion

Filmer sans stabilisateur, c’est avant tout une question de posture, de respiration et de sensibilité . En comprenant le poids, le centre de gravité et le rythme de son propre corps, on peut obtenir une image vivante, expressive et fluide — sans la rigidité mécanique d’un gimbal.
Comme l’ont montré de nombreux réalisateurs et vidéastes, la maîtrise du tremblement peut devenir un langage visuel à part entière.

Pourquoi peut-on envisager de filmer avec plusieurs caméras ?

Wed, 19 Nov 2025 13:45:00 GMT

Pourquoi peut-on envisager de filmer avec plusieurs caméras ?

Il explique que disposer de deux caméras ou plus permet de capturer un instant authentique : un moment de vie, une réaction naturelle d’une personne filmée. Par exemple, dans le documentaire mentionné, deux caméras étaient systématiquement en place sur chaque scène ce qui a permis de ne pas demander une nouvelle prise à la personne filmée, et de bénéficier d’une fluidité au montage. (00:00-01:30)
Ce procédé est particulièrement utilisé pour des émissions de télévision ou des sujets non-joués (non «-comédiens-») où l’on cherche à préserver l’authenticité.

Quels sont les bénéfices concrets de cette approche ?

Elle permet d’avoir plusieurs angles pour la même action sans interrompre ou relancer la prise.
Elle facilite le montage : parce qu’il y a continuité, cela évite des retakes ou des ruptures artificielles.
Elle dynamise l’interview : une caméra en grand angle, une autre en plan plus serré, permet de varier visuellement l’intérêt. Par exemple, dans un interview multi-caméra il est courant d’alterner plan large/intervenant/plan serré pour rythmer le propos.
Gain de temps sur le tournage et plus de liberté de choix au montage.

Quels sont les limites quand on filme avec deux caméras ou plus ?

La composition visuelle peut être bridée : s’il y a deux cadres à gérer, on ne peut pas toujours privilégier un angle « créatif » souhaité, car l’autre caméra peut risquer de capter l’opérateur ou son equipment. Exemple : lors d’une prise d’escalade, l’opérateur ne pouvait pas se placer dans un angle oblique car la deuxième caméra aurait filmé son assistant.
L’ attention se divise : l’opérateur doit vérifier ce qu’il filme et ce que l’autre caméra fait, ce qui peut réduire la rigueur cinématographique, surtout quand on ne peut pas refaire la prise (ex. documentaire en continu).
Pour la personne filmée, plusieurs caméras proches peuvent être plus intrusives qu’une seule : la caméra unique permet souvent de s’effacer visuellement et d’engendrer un jeu plus vierge. (04:33)
Le poids logistique : tourner en multicaméra entraîne davantage de rushs, fichiers plus lourds, plus de stockage, plus de temps de gestion. (
En fiction ou tournage cadré, l’usage de plusieurs caméras peut nuire à la lumière, à la composition, car on perd la possibilité de se concentrer sur une seule image parfaite

Quand vaut-il mieux opter pour une seule caméra ?

Il souligne que dans un contexte de film ou de fiction, on privilégiera souvent une seule caméra : pour pouvoir travailler la lumière, la composition, le mouvement de caméra de manière ciblée et prendre le temps de la belle image. Il rappelle que le réalisateur Christopher Nolan travaille majoritairement en unicaméra pour cette raison : se concentrer sur « une chose à la fois ». (06:05)
Donc, si l’objectif est le cadre, la lumière, l’esthétique définie — plutôt que la capture d’un moment « réel » ou non répétable — alors une seule caméra peut être la solution.

Quelle conclusion tirer pour un projet de tournage ?

Il constate que tout dépend de l’objectif du projet.

Si on veut authenticité, spontanéité, documenter un moment unique , plusieurs caméras peuvent être un atout.
Si on vise esthétique, cadrage contrôlé, jeu d’acteurs , alors une caméra unique peut donner un meilleur contrôle.
Il ajoute que malgré les désavantages du multicam (division de l’attention, composition plus restreinte, logistique), il y a un plaisir à collaborer, à tourner à deux opérateurs — mais ce plaisir humain ne doit pas masquer les enjeux techniques.

Quelques exemples illustratifs

Pour le documentaire : on pourrait penser à une émission de type talk-show ou documentaire vérité où plusieurs caméras sont utilisées pour couvrir l’instant, comme dans certains plateaux TV.
Pour la fiction : Christopher Nolan a travaillé en multicaméra restreint voire unicaméra afin de privilégier la composition (bien que je n’aie pas trouvé de source directe précisant chaque film).
Concernant les interviews multicaméra : l’article de Christophe Milet liste des erreurs classiques en tournage à deux caméras : par exemple, enfreindre la « règle des 180 degrés », angles trop proches etc.
Concernant les aspects logistiques et techniques du multicaméra : sur le Repaire, un forum technique, on mentionne la nécessité de synchronisation, précautions de balance des blancs, etc.

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

Je suis Chef opérateur camera fiction, Pub ou Corporate depuis + de 20 ans

https://www.eddycreuzet.fr/chef-operateur-camera

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Comprendre l’exposition carrée en vidéo

Wed, 12 Nov 2025 10:30:00 GMT

Comprendre l’exposition carrée en vidéo

Pour rappel, l’exposition triangulaire, c'est quoi ?

Traditionnellement, l’exposition repose sur trois réglages fondamentaux :

L’ouverture du diaphragme (f/) : contrôle la quantité de lumière qui entre dans l’objectif.
La vitesse d’obturation (shutter speed) : détermine combien de temps la lumière atteint le capteur.
La sensibilité ISO : règle la manière dont le capteur réagit à la lumière.
Ces trois paramètres forment le triangle de l’exposition : toucher à l’un oblige à ajuster les deux autres pour garder la même luminosité.

L’exposition carrée : LA méthode pour la vidéo

En tournage vidéo, cette logique devient carrée , car deux côtés ne bougent plus :

La vitesse (Shutter) : bloquée à 1/50 s pour du tournage à 25 images/seconde.
L’ISO : fixé sur l’ ISO natif du capteur.
Les deux seules variables de réglage sont alors :
L’ouverture du diaphragme , pour gérer la profondeur de champ et la quantité de lumière.
Le filtre ND (Neutral Density) , pour doser la lumière sans changer ni la vitesse ni l’ISO.

Cette approche rend l’exposition plus stable et plus cohérente d’un plan à l’autre.
Le carré symbolise l’équilibre : chaque côté du cadre (shutter, ISO, diaph, ND) participe à un ensemble fixe et maîtrisé.

L’ISO natif : la base lumineuse du capteur

Chaque caméra possède un ISO natif , défini par le constructeur.
C’est la sensibilité à laquelle le capteur délivre le meilleur rapport signal/bruit et la meilleure dynamique .
Au-delà de cette valeur, l’amplification du signal crée du bruit numérique (grain et dégradation de l’image).
En dessous, la plage dynamique se réduit, et les hautes lumières perdent en détail.
Il est donc conseillé de filmer au plus près de l’ISO natif , et de jouer plutôt sur l’ouverture ou le filtre ND pour gérer la lumière.

Pourquoi régler le shutter à 1/50 s

En Europe, le standard de tournage est de 25 images/seconde , ce qui impose une vitesse d’obturation d’environ le double de la cadence , soit 1/50 s .
Cette valeur produit un flou de mouvement naturel et fluide, proche de la perception humaine.
Exceptions possibles :

Pour des scènes d’action rapide (combat, sport, cascade), on peut monter à 1/100, 1/200 ou plus, afin de figer les mouvements.
Pour un time-lapse , on adapte librement la vitesse selon l’effet recherché.
En dehors de ces cas, le 1/50 reste la référence pour un rendu cinématographique équilibré.

Le filtre ND variable : un outil essentiel

Le filtre ND (Neutral Density) agit comme une paire de lunettes de soleil pour ton capteur.
Il réduit la quantité de lumière sans altérer les couleurs ni la netteté.
Il existe en version fixe (ND2, ND4, ND8, etc.) ou variable , monté sur l’objectif ou intégré à la caméra.
Le filtre ND variable est particulièrement utile en extérieur : il permet de garder une grande ouverture (donc une faible profondeur de champ) même sous forte luminosité, sans surexposer l’image.

L’ouverture et la profondeur de champ

L’ouverture, notée f/ , influence à la fois la lumière et la profondeur de champ .
Plus le chiffre est petit (f/1.8, f/2.8), plus l’ouverture est grande : l’image devient lumineuse, et la zone de netteté se réduit.
À l’inverse, une petite ouverture (f/8, f/11) donne une image plus sombre mais plus nette sur toute la profondeur.
L’ouverture est donc le paramètre clé pour créer une ambiance visuelle : isoler un visage, garder un arrière-plan flou, ou au contraire tout rendre net selon le style du plan.

Donc si l'on veut obtenir une courte profondeur, mon diaph est très ouvert et mon filtre ND devient indispensable !

Et petit exo pour terminer:

Maîtriser l’exposition carrée en condition réelle

Choisis un sujet fixe en extérieur avec lumière naturelle (ex. : une personne assise, un objet sur table).
Règle ta caméra sur 25 i/s et 1/50 s de vitesse d’obturation.
Active l’ ISO natif de ton capteur (vérifie la fiche technique de ta caméra).
Commence avec ton filtre ND retiré et ton diaphragme à f/8 .
Ouvre progressivement le diaph jusqu’à f/2.8 pour observer l’impact sur la profondeur de champ.
Rééquilibre ensuite l’exposition à chaque ouverture en ajustant uniquement le ND .
Compare les plans : même luminosité, mais profondeur de champ différente.
Refais la même séquence en intérieur, sans ND, avec lumière constante.
Analyse les différences de rendu entre lumière naturelle et artificielle.
Conclus sur l’importance du couple ouverture/ND dans la maîtrise du style visuel.

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Choisir la bonne fréquence d’image : comprendre avant de tourner

Wed, 05 Nov 2025 09:49:47 GMT

Choisir la bonne fréquence d’image : comprendre avant de tourner

Tourner à 100 images par seconde peut sembler tentant, mais ce n’est pas toujours judicieux. Chaque cadence a un rôle précis, et la maîtriser permet d’obtenir une image cohérente, fluide et adaptée à l’intention de tournage.
Comprendre les fréquences d’images, c’est éviter les pièges du “tout au ralenti” et retrouver du sens dans le mouvement filmé.

24 i/s : le rythme universel du cinéma

Le 24 images/seconde reste la base historique du cinéma.
C’est la cadence qui reproduit le mieux la perception humaine du mouvement dans un récit : un léger flou, une respiration naturelle, une imperfection qui rappelle la vie réelle.
Cette fréquence est idéale pour les scènes narratives, les dialogues, les moments d’émotion. Elle permet de conserver une authenticité que les cadences supérieures effacent souvent.
C’est aussi à 24 i/s que la plupart des caméras offrent le meilleur rendu colorimétrique et la meilleure dynamique.

Pourquoi on est passé au 25 i/s en Europe

Le 25 images/seconde s’est imposé dans les pays utilisant la norme PAL, à cause du courant électrique à 50 Hz.
Cette correspondance entre fréquence vidéo et fréquence électrique évite les scintillements (flickering) causés par les lampes, les écrans ou les néons.
Aux États-Unis et au Canada, la norme NTSC (60 Hz) a conduit au 30 i/s ; en Europe, le 25 i/s est devenu la référence télévisuelle et professionnelle.
Aujourd’hui encore, cette cadence reste essentielle pour tourner sans artefacts de lumière et garantir une compatibilité fluide avec le matériel local.

25 i/s : la référence européenne

Le 25 i/s est la version PAL du 24 i/s cinéma.
Elle offre une image un peu plus fluide sans trahir la perception naturelle du mouvement.
C’est la cadence standard pour les interviews, les reportages, les films institutionnels ou tout contenu diffusé à la télévision ou en streaming européen.
Sur les réseaux, elle est aussi plus stable, car elle évite les saccades visibles que peut provoquer le 24 i/s.

50 i/s : pour un ralenti doux et maîtrisé

Filmer à 50 images/seconde permet de ralentir une action de moitié sur une timeline à 25 i/s tout en gardant une fluidité parfaite.
C’est une cadence idéale pour magnifier un geste, un déplacement, ou donner de la grâce à une scène du quotidien.
Elle sert souvent à créer une atmosphère poétique ou contemplative, sans tomber dans le ralenti excessif.
Mais elle doit rester un choix artistique, pas une habitude : filmer un dialogue à 50 i/s détruit la texture cinématique et donne un rendu trop “vidéo”.

100 i/s : le super-ralenti et les actions rapides

Au-delà de 100 i/s, on entre dans le domaine du super slow motion.
Cette cadence est réservée aux mouvements très rapides : éclaboussures, sports, flammes, chutes d’objets, etc.
Elle fige le détail invisible à l’œil nu et rend les scènes spectaculaires.
Mais elle a un coût :

chute de luminosité (il faut beaucoup plus de lumière)
fichiers lourds
souvent un recadrage (crop)
parfois une baisse de qualité d’image selon les caméras.

C’est une cadence à employer ponctuellement, jamais comme standard de tournage.

Pourquoi ne pas tout filmer à 50 ou 100 i/s

La tentation est logique : filmer en haute fréquence pour tout ralentir ensuite.
Mais cette idée crée de vrais problèmes techniques :

Perte de qualité : beaucoup de caméras réduisent la résolution ou la plage dynamique en haute cadence.
Audio inutilisable : filmer à plus de 25 i/s rend impossible la synchronisation labiale en tournage son direct.
Poids des fichiers : plus d’images = plus de données à stocker et à traiter.
Sous-exposition : la vitesse d’obturation double avec la fréquence, laissant moins de lumière au capteur.

Résultat : la haute cadence ne doit servir qu’à l’effet de ralenti, pas aux scènes de narration ou de dialogue.

Fréquence d’image ≠ Vitesse d’obturation

Ces deux notions sont souvent confondues :

La fréquence d’image (FPS) correspond au nombre d’images enregistrées par seconde.
La vitesse d’obturation (shutter speed) indique combien de temps chaque image est exposée à la lumière.

En vidéo, la règle classique est simple :

vitesse d’obturation ≈ deux fois la fréquence d’image.
Exemple : 1/50 s pour 25 i/s.

Ce rapport maintient un flou de mouvement naturel.
Modifier ce ratio peut être intéressant artistiquement (par exemple un obturateur rapide pour un effet nerveux ou un obturateur lent pour un effet onirique), mais cela doit rester un choix maîtrisé

Conclusion

Filmer à 24 ou 25 i/s, c’est préserver la respiration du mouvement et l’émotion du réel.
Utiliser le 50 ou le 100 i/s, c’est une décision artistique pour magnifier un instant précis, pas un réglage par défaut.
Un cadreur ou un vidéaste conscient de ces différences choisit sa cadence selon l’intention du plan, pas selon la mode.
La technique devient alors un langage : chaque fréquence d’image raconte une autre façon de voir le temps.

Et petite astuce pour terminer:

Exercice : filmer la même action à quatre cadences (24, 25, 50, 100 i/s) sur trépied, en gardant le même cadre et la même lumière.
Changer uniquement la vitesse d’obturation à chaque prise.
Comparer ensuite la luminosité : plus la cadence monte, plus il faut de lumière.
Importer les plans dans une timeline à 24 i/s pour observer le rendu réel.
Le 24 i/s garde le flou naturel du cinéma, le 25i/s adoucit légèrement, le 50 i/s offre un ralenti fluide, le 100 i/s un effet très stylisé.
Vérifier aussi la taille des fichiers et la résolution selon les modes.
Analyser les différences de texture, de fluidité et de réalisme.
Noter comment la cadence influence la perception du mouvement et l’émotion visuelle.
Cet exercice apprend à choisir la bonne fréquence selon l’intention du plan.
Il développe un réflexe de cadreur conscient, pas dépendant des automatismes.

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Eddy Creuzet

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Techniques de l'image cinéma : LA COMPOSITION

Fri, 15 Aug 2025 12:50:18 GMT

LA COMPOSITION DU CADRE

La composition de l'image vidéo et du cinéma est un élément crucial de la création cinématographique et de la réalisation vidéo.

La composition désigne l'organisation des éléments visuels dans le cadre de l'image , tels que les personnages, les décors, les objets, les couleurs, les lumières et les ombres. Elle permet de donner un sens à l'image, de transmettre des émotions et de raconter une histoire.

L'origine de la composition remonte à l'Antiquité , où les artistes et les sculpteurs grecs utilisent des règles de proportion et de symétrie pour créer des œuvres d'art équilibrées et harmonieuses. Au fil des siècles, ces règles ont été adaptées à la photographie, au cinéma et à la vidéo pour créer des images esthétiquement agréables et émotionnellement captivantes.

Il existe plusieurs techniques de composition d'image, chacune ayant ses propres règles et principes. En voici quelques exemples :

La règle des tiers : Il s'agit de la technique de composition la plus courante. Le cadre est divisé en neuf parties égales à l'aide de deux lignes horizontales et de deux lignes verticales imaginaires. Les points d'intersection de ces lignes sont représentés comme les points forts de l'image, où les éléments importants doivent être représentés.
Le centrage : Cette technique consiste à placer l'élément principal de l'image au centre du cadre, ainsi qu'un effet de symétrie et de stabilité.
Le cadrage serré : Cette technique consiste à cadrer l'image très près du sujet, permettant ainsi un effet d'intimité et d'immersion.
La profondeur de champ : Cette technique consiste à utiliser une ouverture de diaphragme pour créer une zone de netteté sur un plan précis de l'image, tandis que le reste de l'image est flou. Cela permet de mettre en valeur le sujet principal de l'image.
La ligne de fuite : Cette technique consiste à utiliser une ligne diagonale ou courbe pour guider l'œil du spectateur à travers l’image.

En plus de ces techniques de composition, il est important de tenir compte de la couleur, de la lumière et de l'ombre pour créer des images esthétiquement agréables et émotionnellement captivantes.

En conclusion, la composition de l'image vidéo et du cinéma est un élément crucial de la création cinématographique et de la réalisation vidéo. Il existe plusieurs techniques de composition, chacune ayant ses propres règles et principes. Il est important de tenir compte de la couleur, de la lumière et de l'ombre pour créer des images esthétiquement agréables et émotionnellement captivantes.

Et petite astuce pour terminer: attendez de bien maîtriser votre composition avant de vouloir "casser les règles" . C'est ce que font la plupart des cinéastes qui veulent déséquilibrer leur cadre pour participer au déséquilibre de leurs personnages ou de leur situation.

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Eddy Creuzet

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Techniques de l'image cinéma : LE NOMBRE D’OR

Wed, 28 Feb 2024 15:45:00 GMT

LE NOMBRE D’OR

Le nombre d'or est un concept mathématique qui a été découvert par les anciens Grecs et qui a été utilisé en art et en architecture depuis l'Antiquité. Il est considéré comme étant une proportion esthétiquement agréable, qui est souvent utilisée dans la composition d'images, notamment en photographie et en cinéma.

Le nombre d'or est une proportion mathématique qui est égale à environ 1 618. Cette proportion est considérée comme étant esthétiquement agréable car elle est présente dans la nature, par exemple dans l a spirale d'une coquille de nautil e ou dans la disposition des feuilles sur une tige.

En ce qui concerne la composition d'images, le nombre d'or est souvent utilisé pour déterminer l'emplacement des éléments clés de l'image.

Par exemple, dans un plan large, l'horizon sera souvent placé au niveau de la ligne d'or du haut ou du bas de l'image , selon la présence ou non d'un élément important en premier ou en second plan.

Le nombre d'or peut également être utilisé pour déterminer l'emplacement des points focaux dans l'image. Par exemple, dans un portrait, les yeux du sujet peuvent être placés à la hauteur de la ligne d'or pour créer une composition esthétiquement agréable.

En ce qui concerne l'utilisation du nombre d'or dans le cinéma, il est souvent utilisé dans la composition des plans et des cadres. De nombreux réalisateurs, tels que Sergio Leone dans le film "Le Bon, la Brute et le Truand", utilisent le nombre d'or pour créer des plans équilibrés et esthétiquement agréables.

En France, Jean-Pierre Jeunet utilise également le nombre d'or dans ses films, notamment dans "Amélie Poulain", pour créer des plans qui sont à la fois équilibrés et visuellement intéressants.

Aux États-Unis, Stanley Kubrick était également connu pour utiliser le nombre d'or dans la composition de ses plans, notamment dans le film "2001, l'Odyssée de l'espace".

En Italie, Federico Fellini était également connu pour utiliser le nombre d'or dans la composition de ses plans, notamment dans le film "La Dolce Vita".

En conclusion, le nombre d'or est un concept mathématique qui est souvent utilisé dans la composition d'images, notamment en photographie et en cinéma. Il est considéré comme étant esthétiquement agréable et est utilisé par de nombreux réalisateurs pour créer des plans équilibrés et visuels intéressants.

Et petite astuce pour terminer: exercez-vous à cadrer en suivant le nombre d'or avec la photographie

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Techniques de l'image cinéma : LA COMPRESSION

Wed, 14 Feb 2024 15:15:00 GMT

LA COMPRESSION VIDÉO

La compression vidéo est un élément clé dans le processus de production vidéo. Elle permet de réduire la taille des fichiers vidéo tout en préservant la qualité de l'image. Dans cet article, nous allons explorer en détail les différentes techniques de compression vidéo utilisées dans les caméras cinéma, ainsi que les notions de débit vidéo, de Codec, de Raw et de Raw compressé.

La compression vidéo dans les caméras cinéma

La compression vidéo est utilisée dans les caméras cinéma pour réduire la taille des fichiers vidéo afin de faciliter le stockage et la transmission des données. Les caméras cinéma modernes utilisent généralement des codecs de compression

Les codecs sont des programmes de compression vidéo qui permettent de réduire la taille des fichiers vidéo tout en préservant la qualité de l'image. Les codecs les plus courants sont H.264, H.265, ProRes, DNxHD et CinemaDNG.

Le H.264 est le codec le plus utilisé dans le monde de la vidéo, il est utilisé dans la plupart des caméras cinéma grand public. Le H.265 est une version plus récente et plus avancée du H.264, qui permet une compression plus efficace des fichiers vidéo 4K. Le ProRes et le DNxHD sont des codecs de qualité professionnelle utilisés dans les caméras cinéma haut de gamme. Le CinemaDNG est un codec non compressé qui permet de conserver la qualité de l'image originale.

Le débit vidéo

Le débit vidéo fait référence à la quantité de données vidéo dégradées par seconde . Il est généralement mesuré en kilobits par seconde (Kbps) ou en mégabits par seconde (Mbps). Le débit vidéo peut avoir une incidence sur la qualité de l'image et la fluidité du mouvement.

Le Raw et le Raw compressé

Le Raw est un format d'enregistrement vidéo non compressé qui permet de capturer toutes les données de l'image . Cela permet une grande flexibilité lors du processus de post-production, car l'utilisateur peut ajuster les paramètres tels que l'exposition, la balance des blancs et la saturation de la couleur. Cependant, les fichiers Raw sont très volumineux et bénéficient d'une capacité de stockage importante.

Le Raw compressé est une version du format Raw qui utilise une compression vidéo sans perte pour réduire la taille des fichiers. Cette compression permet de conserver toutes les informations de l'image, tout en pensant à la taille des fichiers pour faciliter le stockage et la transmission des données.

Exemples de films

Le codec ProRes est largement utilisé dans les productions cinématographiques professionnelles, notamment dans les films de Christopher Nolan tels que "Dunkerque" et "Interstellar". Le codec DNxHD est également utilisé dans les productions cinématographiques haut de gamme, telles que "La La Land" et "Blade Runner 2049". Le codec CinemaDNG est couramment utilisé dans les productions cinématographiques indépendantes, telles que "Upstream Color" et "Tangerine".

En conclusion, la compression vidéo est un élément essentiel de la production cinématographique moderne. Elle permet de réduire la taille des fichiers vidéo tout en préservant la qualite de l’image

Et petite astuce pour terminer: inutile de toujours choisir une compression très faible en considérant que vous aurez la meilleure qualité votre image. La compression est déterminée en fonction de la finalité : où sera visionner votre vidéo ?

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Techniques de l'image cinéma :LE FILTRE ND

Wed, 07 Feb 2024 15:15:00 GMT

LE FILTRE ND

En cinématographie, l'exposition de l'image est un élément crucial de la qualité de l'image finale.

L'exposition correspond à la quantité de lumière qui entre dans la caméra pour l'ancienne image. Il y a plusieurs facteurs qui peuvent affecter l'exposition, tels que l'ouverture, la vitesse d'obturation et les ISO.

Cependant, il y a une solution simple et pratique pour régler l'exposition dans certaines situations : le filtre ND.

Le filtre ND, ou filtre à densité neutre, est un filtre qui réduit la quantité de lumière qui a atteint le capteur de la caméra. Cela permet d'augmenter le temps d'exposition sans affecter la qualité de l'image. Le filtre ND est particulièrement utile dans les situations où il y a trop de lumière ambiante, comme en extérieur par une journée ensoleillée. Sans filtre ND, la caméra ne pourrait pas exposer correctement l'image, ce qui se traduirait par une image surexposée.

Le filtre ND est disponible en différentes densités, chacune correspondant à une réduction de lumière différente. Les densités les plus courantes sont ND2 (réduit la lumière de moitié), ND4 (réduit la lumière de 2 diaphragmes), ND8 (réduit la lumière de 3 diaphragmes) et ND16 (réduit la lumière de 4 diaphragmes). Il est important de noter que les filtres ND peuvent également avoir des effets secondaires sur l'image, comme une légère modification de la couleur ou du contraste.

La règle du triangle d'exposition stipule que l'exposition correcte est obtenue en équilibrant les trois éléments suivants : l'ouverture, la vitesse d'obturation et les ISO. En utilisant un filtre ND, on peut augmenter le temps d'exposition tout en maintenant l'ouverture et les ISO à un niveau approprié. Cela permet de maintenir un équilibre parfait entre ces trois éléments.

Le filtre ND a été utilisé dans de nombreux films célèbres, tels que "The Revenant" de Alejandro G. Iñárritu, dans lequel le directeur de la photographie, Emmanuel Lubezki, a utilisé des filtres ND pour créer des images sublimes en pleine nature.

De même, dans "Mad Max : Fury Road" de George Miller, les filtres ND ont été utilisés pour capturer des images de désert éblouissantes tout en maintenant une exposition correcte.

Et petite astuce pour terminer: utiliser votre filtre ND pour maintenir votre plus grande ouverture et ainsi garder une très faible profondeur de champ ( flou arrière plan)

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Techniques de l'image cinéma :LA BALANCE DES BLANCS

Mon, 29 Jan 2024 14:57:08 GMT

LA BALANCE DES BLANCS

La balance des blancs est un paramètre important de l'image cinématographique, qui permet d'ajuster les couleurs pour obtenir une image fidèle à la réalité et à l'ambiance voulue.

La balance des blancs est un processus de calibrage de la caméra q ui permet de régler la température de couleur en fonction de la lumière ambiante.

Origines de la balance des blancs

La balance des blancs tire son origine des techniques de la photographie argentique. Dans le passé, les photographes utilisaient des filtres de couleur pour ajuster la température de couleur de la lumière et obtenir des images avec une balance des blancs précise. Aujourd'hui, les caméras cinématographiques modernes disposent de réglages de balance des blancs qui permettent d'ajuster la température de couleur de l'image en temps réel.

la température de couleur est une mesure courante utilisée en photographie et en vidéo pour décrire la balance des blancs. Cette mesure fait référence à la température à laquelle un corps noir émet une lumière de couleur similaire à celle de la source de lumière que l'on souhaite équilibrer.

Le corps noir est un objet hypothétique qui absorbe complètement la lumière incidente et qui, en conséquence, émet de la lumière uniquement en fonction de sa température. Ainsi, lorsqu'un corps noir est chauffé, il émet une lumière dont la couleur dépend de la température de l'objet. Cette relation entre la température et la couleur de la lumière émise par un corps noir est appelée loi de Planck.

En ce qui concerne l'expérience, la théorie du corps noir a été développée au XIXe siècle par des physiciens tels que Max Planck et Wilhelm Wien, qui ont illustré la manière dont les objets émettent et absorbant la lumière en fonction de leur température. L'expérience du corps noir consiste à chauffer un objet, généralement une cavité en métal, jusqu'à ce qu'ilte de la lumière. La couleur de cette lumière dépend de la température de l'objet, conformément à la loi de Planck. Cette expérience a permis de comprendre la nature de la lumière et a jeté les bases de la physique quantique.

La température de couleur est donc une mesure de la couleur de la lumière émise par une source lumineuse, exprimée en degrés Kelvin (K). Cette mesure est utilisée pour décrire la balance des blancs car elle permet de définir une référence pour la couleur de la lumière blanche. En ajustant la balance des blancs de la caméra en fonction de la température de la lumière ambiante, il est possible d'obtenir des couleurs plus précises et plus naturelles dans l'image.

Il convient de noter que la température de couleur est une mesure relative et que différents types de lumières peuvent avoir des températures de couleur différentes même s'ils sont tous qualifiés de "blancs". Par exemple, la lumière du jour à une température de couleur d'environ 5500 K, tandis que la lumière des ampoules à incandescence peut avoir une température de couleur d'environ 2700 K.

Applications de la balance des blancs

La balance des blancs est un paramètre important dans la cinématographie, car elle permet de créer l'ambiance visuelle voulue dans un film.

Par exemple, pour une scène nocturne, une balance des blancs plus chaude (jaune-orange) peut être utilisée pour créer une ambiance chaleureuse et intimiste. En revanche, pour une scène en plein jour, une balance des blancs plus froide (bleue) peut être utilisée pour créer une ambiance plus froide et stérile.

Exemples de films

Dans le film sud-coréen "Parasite" (2019), réalisé par Bong Joon-ho et photographié par Hong Kyung-pyo, la balance des blancs est utilisée pour créer des ambiances différentes en fonction des scènes. Par exemple, les scènes dans la maison des richesses sont filmées avec une balance des blancs plus froide, permettant ainsi une ambiance de froideur et de distance sociale. En revanche, les scènes dans la maison des pauvres sont filmées avec une balance des blancs plus chaude, ainsi une ambiance plus chaleureuse et familiale.

Dans le film américain "Her" (2013), réalisé par Spike Jonze et photographié par Hoyte Van Hoytema, la balance des blancs est utilisée pour créer une atmosphère futuriste et technologique. Les scènes du film ont une balance des blancs plus froide, avec une teinte bleue qui renforce l'aspect futuriste de l'histoire.

En conclusion, la balance des blancs est un paramètre important de l'image cinématographique qui permet de régler la température de couleur en fonction de l'ambiance voulue. Les réalisateurs et les directeurs de la photographie doivent donc être attentifs à leur choix de balance des blancs pour créer l'ambiance visuelle souhaitée dans leur film.

Et petite astuce pour terminer: régler votre balance des blancs sur la référence 5600k et modifier la température sur votre logiciel à l'aide de la pipette colorimétrique pour créer votre propre ambiance colorimétrique.

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Techniques de l'image cinéma : L’OUVERTURE

Fri, 17 Nov 2023 15:55:46 GMT

L’OUVERTURE

L'ouverture et le diaphragme d'une caméra cinéma sont des paramètres clés pour obtenir une image de qualité professionnelle.

L'ouverture contrôle la quantité de lumière qui entre dans l'objectif de la caméra

L'ouverture est exprimée en termes de "f/" ou "nombre f", qui est le rapport entre la distance focale de l'objectif et le diamètre de l'ouverture.

Par exemple, un objectif avec une distance focale de 50 mm et une ouverture de f/2 aura un diamètre d'ouverture de 25 mm (50 mm divisé par 2).

L'ouverture peut avoir un effet significatif sur l'exposition, la profondeur de champ et la couleur de l'image.

Par exemple, une grande ouverture, comme f/1.4, permettra d'obtenir une exposition plus lumineuse et une faible profondeur de champ, tandis qu'une petite ouverture, comme f/16, permettra d'obtenir une exposition plus sombre et une grande profondeur de champ.

Le diaphragme est constitué d'une série de lamelles qui s'ouvrent et se ferment pour contrôler la quantité de lumière qui a atteint le capteur de la caméra.

Le choix de l'objectif peut également avoir un effet significatif sur l'ouverture et le diaphragme.

Par exemple, un objectif avec une ouverture maximale de f/1.4 sera beaucoup plus lumineux qu'un objectif avec une ouverture maximale de f/4. De plus, les différents objectifs peuvent également avoir des caractéristiques de rendu des couleurs différentes, ce qui peut affecter la qualité et le style de l'image.

En ce qui concerne les exemples de films, de nombreux réalisateurs et directeurs de la photographie utilisent l'ouverture et le diaphragme de manière créative pour obtenir des effets spécifiques.

Par exemple , dans le film américain "The Social Network", le directeur de la photographie Jeff Cronenweth a utilisé des diaphragmes plus petits pour capturer des images nettes et précises.

La relation entre l'ouverture et la profondeur de champ est très importante en cinématographie.

En règle générale, plus l'ouverture est grande, plus la profondeur de champ sera faible, c'est-à-dire que la zone de netteté sera plus réduite.

Prenons l'exemple du film suédois "The Square" (2017), réalisé par Ruben Östlund et photographié par Fredrik Wenzel. Dans ce film, la scène de la confrontation entre le personnage principal Christian et un journaliste, filmée en plan moyen, est un excellent exemple de l'utilisation de l'ouverture pour créer une faible profondeur de champ.

Dans cette scène, le diaphragme a été ouvert pour obtenir une faible profondeur de champ, c e qui permet de focaliser l'attention du spectateur sur les expressions des visages et les émotions des personnages , permettant ainsi une tension dramatique plus forte.

Un autre exemple est le film français "Amélie Poulain" (2001), réalisé par Jean-Pierre Jeunet et photographié par Bruno Delbonnel. Dans ce film, les scènes de rêve et de fantaisie sont souvent filmées avec une faible profondeur de champ, permettant ainsi une ambiance onirique et magique.

Par ailleurs, l'ouverture peut également avoir une incidence sur la couleur et le contraste de l'image.

Dans le film allemand "La Vie des autres" (2006), réalisé par Florian Henckel von Donnersmarck et photographié par Hagen Bogdanski, les scènes sombres ont été tournées avec une grande ouverture pour permettre à la caméra de capter suffisamment de lumière, mais cela a également créé une faible profondeur de champ et une certaine douceur dans l'image.

En conclusion, l'ouverture est un paramètre essentiel de la caméra cinéma qui peut avoir des effets dramatiques sur la profondeur de champ et l'atmosphère visuelle d'un film. Les directeurs de la photographie doivent donc être attentifs à leur choix d'ouverture et adapter leur objectif en conséquence pour obtenir l'effet visuel souhaité.

Et petite astuce pour terminer: si votre Diaph est mécanique et progresse par cran et que vous souhaiter faire varier votre expositiion en cours de la prise de vue , utiliser un filtre ND Variable

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Eddy Creuzet

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VIDÉO DÉMO POUR ACTEUR

Fri, 30 Jun 2023 08:25:30 GMT

COMMENT RÉALISER UNE VIDÉO DÉMO POUR COMÉDIEN-NE

TOURNAGE / MONTAGE VIDÉO DÉMO POUR ACTRICE ACTEUR

En tant que Scénariste, Réalisateur et Coach d'acteur, Je propose la réalisation d'une vidéo démo clé en main pour comédien-ne :

Ma formule :

Ecriture d'extraits de scénario personnalisés ( à votre niveau de jeu à l'instant T)

Choix d'1 ou 2 comédien-nes pour vous donner la réplique

Coaching prépa au tournage (1h)

Tournage de la bande démo avec votre partenaire(3h)

Montage de 3 minutes avec le meilleur du tournage avec la possibilité de faire une correction

Tarif : à partir de 400€

OPTION : shooting photo comédien-ne simple portrait + en pied : 50€

Lieu à Aix les Milles ou dans un lieu de votre choix

Payable en plusieurs fois : à la réservation, le jour du tournage et le jour de la livraison de la vidéo

Exemples de bandes démo ici

Réservez votre séance individuelle dès maintenant:

actingstagesud@gmail.com

à bientôt

Eddy Creuzet

06 80 31 01 01

Réalisateur et Coach pour Acteur professionnel depuis 2015

www.acting-stage-sud.com

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STAGE JEU CINÉMA SAMEDI ÉTÉ

Fri, 30 Jun 2023 07:33:40 GMT

Stage Jeu Cinéma DÉTE

2 STAGES EXCEPTIONNELS

22 JUILET ET 05 AOUT

10h -17h

Aix-en-Provence

Salut à tous

Je suis Coach d'Acteur depuis 2015, je propose chaque mois le samedi un stage je cinéma.

Ce stage de formation aux techniques je caméra va vous permettre de vous entraîner au Jeu Caméra afin et d'apprendre les techniques de mise en scène caméra, de travailler le casting avec différents personnages, différentes attitudes sur des séquences de film ou de série de toutes époques en tant qu'acteur est Actrice.

C'est ouvert à toutes et à tous le seul prérequis et de savoir apprendre par cœur un texte

de 18 à ...ans

Programme de la journée:

matin

-Exercice d’échauffement filmé

-Exercice : travail sur le personnage en impro guidée et filmée

Après-midi

-Tournage de la séquence

-Visionnage de la séquence

Le concept :
Le stage «Jeu d'acteur face à la caméra» est une journée de découverte, de formation et d'entraînement comme un sportif. Dans cette journée, vous musclez votre jeu d'acteur tout en apprenant les techniques du jeu face caméra : décrypter une séquence, faire connaissance avec son personnage, canaliser son intensité à l'image, invoquer ses émotions sincères, placer son regard, sa voix, sa respiration... Toutes les répétitions des scènes travaillées sont filmées, visionnées et analysées . Les vidéos vous seront remises via un serveur en ligne la semaine suivant le stage et certaines vidéos pourront être utilisées pour votre bande démo d’acteur.

Groupe limité à 8 personnes

LA METHODE ACTING EPISODE 4 : l'histoire du Jeu

Sat, 27 May 2023 15:15:00 GMT

la Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 4

Bonjour tout le monde

Dans cette série d'articles, j'ai envie de partager avec vous l'histoire du jeu, l'histoire de l'Actorat, de l'Acting, de son origine à aujourd'hui

Le 3e épisode est ici

À la fin du 19e siècle, le théâtre, bien que peut-être pas considéré comme le plus noble d'activités, était une tradition généralement acceptée qui avait des racines anciennes en Grèce, en Italie l'influences de la Renaissance et fort soutien littéraire de grands écrivains comme William Shakespeare.

Mais jouer sur scène à travers l'Europe et les États-Unis reste concentré sur le grand déclamatoire, style et à l'époque avant les micros de scène, il fallait en quelque sorte l'être. Mais le style n'était pas seulement né de la nécessité, c'était la théorie dominante que le théâtre devait être exagéré avant d'être réel.

Acteur et théoricien du théâtre Benoit-Constant Coquelin, qui a été salué comme le plus grand acteur vivant par ses contemporains, a dit : "À mon avis, rien ne peut être parfait, rien ne peut être grand sans la nature, mais je dois répéter encore une fois que le Théâtre - l'art et, par conséquent, la nature ne peut s'y reproduire qu'avec quelques

sorte d'idéalisation ou de contrainte, sans laquelle il n'y a pas d'art. Je dirai plus : la nature austère

ne produit au théâtre qu'une très faible impression."

Coquelin était fermement contre le naturalisme dans l'action. Agir pour la scène signifiait simuler émotion

Un musicien et pédagogue français François Delsarte publierait même un livre de poses et des gestes de la main pour chaque émotion. Bien que son intention était de connecter l'émotionnel intérieur par expérience de l'acteur avec un ensemble systématique de gestes et de mouvements, il a été enseigné comme manière abrégée d'agir - lorsque le scénario appelle cette émotion - faites cette pose.

Eh bien, ce type de jeu ennuyait un jeune acteur du nom de Constantin Stanislavski. Né en 1863 sous le nom de Konstantin Sergeyevich Alexeyev à l'une des familles les plus riches de Russie...

à suivre : la génèse de la méthode de Stanislavski dans l'épisode 5 ...

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

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Techniques de l'image cinéma : LA SENSIBILITÉ ISO

Sat, 20 May 2023 15:00:00 GMT

LA SENSIBILITÉ ISO

Les ISO également appelées sensibilité ISO sont un élément important dans la création d'une image cinématographique de qualité professionnelle. Ils déterminent la sensibilité du capteur de la caméra à la lumière, et donc la quantité de lumière nécessaire pour créer une image correctement exposée.

Les ISO sont exprimés en chiffres, avec des valeurs plus élevées indiquant une plus grande sensibilité à la lumière. Cependant, l'utilisation d'une sensibilité ISO élevée peut entraîner un bruit excessif dans l'image, ce qui peut réduire la qualité de l'image.

Au cinéma, les ISO sont souvent utilisés pour créer des effets de lumière spécifiques. Par exemple, des ISO plus élevées peuvent être utilisées pour capturer des scènes dans des conditions de faible luminosité, telles que les scènes nocturnes ou les intérieurs sombres. À l'inverse, des ISO plus bas peuvent être utilisés pour capturer des scènes avec beaucoup de lumière, comme les scènes en extérieur ensoleillées.

Il est important de noter que chaque caméra à une plage ISO native , qui est la plage d'ISO à laquelle la caméra fonctionne de manière optimale en termes de qualité d'image et de bruit . Les ISO nominaux, qui sont souvent indiqués sur la caméra, représentent cette plage native. Par exemple, pour une caméra dont la plage native est de 800 ISO, les ISO nominaux seraient de 100, 200, 400, 800, etc.

Cependant, certaines caméras, comme la Blackmagic Pocket Cinema Camera 4K (ou le GH5 s La FX6 de Sony ect), disposent d'une fonctionnalité de double ISO, qui permet à la caméra de fonctionner à deux plages ISO natives différentes. Cette fonctionnalité est particulièrement utile pour capturer des scènes avec une grande plage dynamique, car elle permet à la caméra de capturer à la fois les hautes et basses lumières de manière optimale pour des scènes de nuit.

En ce qui concerne les exemples de films, de nombreux réalisateurs et directeurs de la photographie utilisent l'ISO de manière créative pour obtenir des effets spécifiques. Par exemple, dans le film "Blade Runner 2049", le directeur de la photographie Roger Deakins a utilisé des ISO élevées pour capturer les scènes nocturnes de manière réaliste . De même, dans le film "The Revenant", le directeur de la photographie Emmanuel Lubezki a utilisé des ISO élevés pour capturer les scènes sombres et brumeuses de manière immersive.

En conclusion, les ISO sont un paramètre important pour la création d'une image cinématographique de qualité professionnelle. En comprenant comment l'ISO utilise la sensibilité du capteur à la lumière et la qualité de l'image, vous pouvez utiliser ce paramètre pour créer des images uniques et créatives qui correspondent à votre vision artistique.

Et petite astuce pour terminer: utiliser un filtre ND pour garder votre ISO à la mesure Native de votre caméra.

Astuce 2 : en plein soleil il est contre intuitif mais préférable de choisir des ISO élevés pour capturer des détails dans les nuages. (avec bien sur un filtre ND pour bien exposer vos images)

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LA METHODE ACTING EPISODE 3 : l'histoire du Jeu

Sat, 13 May 2023 14:45:00 GMT

la Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 3

Bonjour tout le monde

Dans cette série d'articles, j'ai envie de partager avec vous l'histoire du jeu, l'histoire de l'Actorat, de l'Acting, de son origine à aujourd'hui

Le 2e épisode est ici

Parce que la Commedia dell'Arte s'est fortement appuyée sur l'improvisation, la forme s'est centrée sur quelques personnages et situations clés.

Les rôles d'acteur dans une troupe de la Commedia dell'Arte se répartissaient en trois grandes catégories: les serviteurs

(zanni), les maîtres ou anciens (généralement des vieillards d'où leur nom italien, les vecchi) et les amants (innamorati, également connus sous le nom d'amorosi).

Parmi ces personnages , le plus connu du public moderne est peut-être l'Arlequin , un zanni légèrement supérieur,

un personnage de serviteur amoral, espiègle mais joueur et narcissique.

La tradition des masques perpétués dans la Commedia dell'Arte portés à la fois par le bas et des personnages supérieurs, mais certains des personnages, en particulier les amorosi, ont joué démasqué.

La commedia a évolué vers différentes formes au fur et à mesure qu'elle se répandait à travers l'Europe pour s'adapter aux coutumes locales.

Les Français affectionnaient particulièrement le personnage d'Arlequin et l'a développé davantage - en Angleterre, vous pouvez voir l'influence de nombreuses Commedia sur le barde lui-même, le Songe d'une nuit d'été de William Shakespeare présente de nombreux éléments de la Commedia dell'Arte

Même si la Commedia était incroyablement influente, elle aurait les mêmes adversaires moraux que leurs homologues romains il y a un millénaire. L'église a vu le travail comme vulgaire et hérétique, peut-être que la concurrence pour leurs propres jeux de moralité. Mais les acteurs ont trouvé des ennemis politiques également. Napoléon Bonaparte interdit la Commedia en 1797 lors de son occupation de l'Italie car les dissidents politiques se sont cachés derrière des masques pour lancer des insultes en se moquant de leur nouvel empereur.

Pourtant, l'influence de la Commedia dell'arte a persisté au fil des ans, informant la tradition de la scène

et finalement en faire un film à partir de la pantomime schtick de Charlie Chaplin et Buster Keaton et même dans l'ère du son qui a apporté des influences de vaudeville comme on le voit dans le clip de la soupe au canard des Marx Brothers.

à suivre : le 19e siècle et le théâtre dans l'épisode 4 ...

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

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Techniques de l'image cinéma : LA VITESSE DE LA LUMIERE

Sat, 06 May 2023 14:15:00 GMT

LA VITESSE DE LA LUMIERE : LE SHUTTER SPEED

La vitesse d'obturation, également appelée temps d'obturation, est un paramètre important dans la création d'une image cinématographique de qualité professionnelle. Il détermine la durée pendant laquelle l'obturateur de la caméra est ouvert, permettant ainsi à la lumière d'entrer et de frapper le capteur de la caméra pour créer l'image.

En général, plus la vitesse d'obturation est courte, moins de lumière entre dans la caméra, ce qui donne une image plus sombre mais avec un effet de mouvement plus net et rapide. À l'inverse, une vitesse d'obturation plus longue laisse entrer plus de lumière , ce qui rend l'image plus lumineuse mais avec un effet de mouvement flou.

Au cinéma, la vitesse d'obturation est souvent utilisée pour créer des effets de mouvement spécifiques. Par exemple, un court de vitesse d'obturation peut être utilisé pour créer un effet de mouvement rapide pour des scènes d'action telles que les poursuites ou les combats, tandis qu'un court de vitesse d'obturation peut être utilisé pour créer un effet de mouvement plus prêté pour les scènes plus calmes et contemplatives.

De plus, la vitesse d'obturation peut également être utilisée pour contrôler l'exposition de l'image . En augmentant la vitesse d'obturation, vous pouvez réduire la quantité de lumière entrante dans la caméra et ainsi réduire la surexposition de l'image. Cela peut être utile dans les situations de forte lumière où l'exposition de l'image peut devenir facilement trop élevée.

Il est important de noter que le choix de la vitesse d'obturation dépendra également du nombre d'images par seconde que vous utiliserez. En effet, la vitesse d'obturation doit être deux fois plus rapide que le nombre d'images par seconde pour obtenir une image fluide et sans effet de saccade. Par exemple, si vous utilisez une cadence de 25 images par seconde, votre vitesse d'obturation doit être d'au moins 1/50ème de seconde.

En conclusion, la vitesse d'obturation est un paramètre important pour la création d'une image cinématographique de qualité professionnelle. En comprenant comment la vitesse d'obturation affecte l'exposition de l'image et l'effet de mouvement, vous pouvez utiliser ce paramètre pour créer des images uniques et créatives qui correspondent à votre vision artistique.

Et petite astuce pour terminer: utiliser un filtre ND pour laisser votre votre Shutter à la vitesse "naturelle" de 1/50e (en 25IPS) .

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

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LA METHODE ACTING EPISODE 2 : l'histoire du Jeu

Sat, 29 Apr 2023 10:15:00 GMT

la Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 2

Bonjour tout le monde

Dans cette série d'articles, j'ai envie de partager avec vous l'histoire du jeu, l'histoire de l'Actorat, de l'Acting, de son origine à aujourd'hui

Le 1er épisode est ici

Lorsque Rome a conquis le monde - ils se sont également tournés vers le théâtre grec - en le transformant en leur

favoriser l'ajout de plus de spectacle et de variété. Le drame romain a adapté les œuvres grecques mais a supprimé

avec le chœur grec en faveur du dialogue et ont même commencé à souligner leurs spectacles avec

musique.

Le théâtre était le divertissement populaire de l'époque - parfois même obscène et offensant.

La morale des acteurs a même contesté la décadence de la société romaine conduisant à quelques révisions

contre les autorités romaines. Pourtant, des théâtres massifs ont été construits dans pratiquement tous les

coin de l'empire romain.

Mais ensuite, Rome est tombée et le théâtre s'est pratiquement arrêté pendant l'âge des ténèbres avec seulement des productions amateurs de pièces de moralité religieuse mises en scène par l'église.

Il faudrait des millénaires avant que la comédie ne redevienne une forme d'art professionnel.

Ce n'est qu'à la Renaissance italienne que nous commençons à voir une nouvelle forme de théâtre professionnel

- Commedia dell'arte au XVIe siècle à Venise. Avec un pied dans le monde de la cour royale et un pied dans la tradition des artistes de rue, la Commedia dell'arte était populiste forme de théâtre - représentant toutes les personnes, des aristocraties aux simples paysans.

La première troupe d'acteurs notable était I Gelosi travaillant de 1569 à 1604. Parrainé par la noblesse,

I Gelosi a parcouru l'Europe en voyageant de l'Italie à la France, la Pologne, l'Espagne, l'Allemagne et

Angleterre.

Très porté sur l'improvisation, l'acteur de la Commedia était aussi l'auteur et éditeur de leur propre matériel. Et pour la première fois les femmes ont commencé à partager la scène avec des hommes.

à suivre : l'évolution de la Commedia dans l'épisode 3 ...

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Eddy Creuzet

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Techniques de l'image cinéma : LA PROFONDEUR DE CHAMP

Sat, 22 Apr 2023 10:00:00 GMT

LA PROFONDEUR DE CHAMP

La profondeur de champ est un paramètre important dans la création d'une image cinématographique de qualité professionnelle. Elle détermine la zone de netteté de l'image , c'est-à-dire la zone dans l'image qui est nette et qui apparaît clairement à l'écran.

En général, une profondeur de champ peu profonde donne un effet esthétique agréable pour les plans rapprochés de visages ou d'objets, tandis qu'une profondeur de champ plus grande est utile pour les plans plus larges de paysages ou d'actions.

Pour contrôler la profondeur de champ, il est important de comprendre les paramètres qui l'affectent. L'un de ces paramètres est l'ouverture, qui est la taille de l'ouverture de l'objectif de la caméra. Plus l'ouverture est grande, plus la profondeur de champ est faible, car l'ouverture plus grande permet à plus de lumière d'entrer dans l'objectif, permettant ainsi une faible zone de netteté.

Un autre paramètre qui affecte la profondeur de champ est la distance de mise au point, qui est la distance entre la caméra et le sujet. Plus la distance de mise au point est courte, plus la profondeur de champ est faible, car la caméra se rapproche davantage du sujet et l'arrière-plan devient flou.

Enfin, la taille du capteur de la caméra affecte également la profondeur de champ. Les caméras avec des capteurs plus grands ont tendance à avoir une profondeur de champ plus faible, car elles permettent une plus grande quantité de lumière à entrer dans l'objectif.

Pour une image cinématographique professionnelle avec une profondeur de champ adaptée à vos besoins spécifiques, il est important de prendre en compte les différents paramètres de création de la caméra qui activent la profondeur de champ. En jouant avec ces paramètres, vous pouvez créer des images uniques et créatives qui impressionneront votre public.

Et petite astuce pour terminer: utiliser un filtre ND pour laisser votre votre diaphragme à la plus grande ouverture.

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LA METHODE ACTING EPISODE 1 : l'histoire du Jeu

Sat, 15 Apr 2023 09:30:00 GMT

la Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 1

Bonjour tout le monde

Dans cette série d'articles, j'ai envie de partager avec vous l'histoire du jeu, l'histoire de l'Actorat, de l'Acting, de son origine à aujourd'hui

Commençons par jeter un coup d'œil abrégé sur l'histoire du théâtre occidental nous menant finalement à ce qu'on appelle maintenant Method Acting.

Nous pourrions commencer notre histoire beaucoup plus près de chez nous, mais je pense que cela vaut la peine de revenir loin en arrière dans l'histoire jusqu'au tout début du jeu d'acteur jusqu'à la Grèce antique.

La culture grecque antique et sa riche mythologie des dieux n'étaient pas basées sur un texte sacré. Leur mythologie a été racontée par le bouche à oreille. Comme un long jeu de téléphone, chacune des générations de Grecs raconterait les mythes avec une interprétation différente reflétant les enjeux contemporains de leur temps - ce processus de transmission d'histoires est devenu théâtre- du grec original "theáomai " qui signifie "voir"

Le théâtre était au cœur des Grecs de l'Antiquité - Le partage communautaire des histoires était centré sur

les célébrations annuelles du dieu Dionysos - le dieu des vendanges, de la vinification, du vin,

Folie Rituelle, Extase Religieuse, Fertilité et éventuellement Théâtre.

Les premières célébrations participants impliqués de la communauté - hommes et femmes - réunis au pied d'une colline

chantant ce qu'on appelait Dithyrambe en l'honneur de Dionysos.

Au 6ème siècle avant JC, ces célébrations sont devenues plus formelles. Le théâtre est devenu réservé aux hommes

d'affaire. Un autre changement est venu avec le poète grec Arion qui a commencé à écrire le dithyrambe

introduction de l'écrit à la tradition orale. Vers la même époque, un chanteur nommé Thespis deviendrait la première vedette du théâtre en créant un numéro où il accompagnait en tant qu'acteur solo par le chœur grec interpréterait le dithyrambe en utilisant différents masques avec des traits faciaux exagérés caractéristiques et expressions pour interpréter différents caractères.

Le théâtre grec a continué à progresser au 5ème siècle avec l'introduction du skene : un bâtiment d'arrière-plan auquel la scène de la plate-forme était reliée et qui pouvait être peint pour représenter les lieux et agir comme une zone changeante pour les acteurs à mesure que de plus en plus de personnes en font partie de la production théâtrale.

En termes de format, le théâtre s'est développé en trois catégories : pièces satyres, comédies et tragédies.

Satyr Plays était le plus ancien dessin de rituels à Dionysos et comportait beaucoup de slapstick.

Les comédies étaient des pamphlets d'actualité légers sur les gens et les événements de l'époque - en fait que nous obtenons le mot Lampoon de Lampon - un homme d'État grec moqué par l'Athénien interprète Aristophane.

Les tragédies étaient des œuvres plus sérieuses qui présentaient un mythe imparfait héros et chœur grec qui a servi de boussole morale à la pièce. A la fin de chaque tragédie le héros parvient à se retrouver dans une catastrophe causée généralement par son propre orgueil.

Maintenant, parce que ces théâtres étaient des événements en plein air souvent devant des milliers de personnes, le

le jeu était beaucoup plus déclamatoire - c'est-à-dire qu'il mettait l'accent sur la projection vocale et la grande

gestes corporels pour que chacun puisse voir ce qui se passait....

à suivre avec l'évolution apporté par les Romains dans l'épisode 2 ...

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Eddy Creuzet

Je suis formateur et coach de comédiens depuis 2015 en ateliers, stages jeu-caméra à Aix-en-Provence ou sur plateau de tournage:

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FORMATION JEU CAMÉRA 5 JOURS INTENSIF JUILLET

Sat, 08 Apr 2023 09:45:00 GMT

Stage de Formation jeu caméra intensif 5 jours 10 au 14 juillet 2023

Salut à tous

je propose un stage de cinq jours intensif d'été pour vous permettre de vous entraîner au Jeu Caméra afin d'apprendre les techniques de mise en scène caméra, de travailler le casting avec différents personnages, différentes attitudes sur des séquences de film ou de série de toutes époques.

Nouveauté 2023 : Désormais vous pouvez faire une demande de prise en charge AFDAS, FIFPL , Pole emploi ou faire une demande de prise en charge OPCO si vous êtes employé d'une entreprise.

En partenariat avec Kairos Médiation certifié Qialiopi

Le concept :
Le stage «Jeu d'acteur face à la caméra» est une semaine d'entraînement comme un sportif et de découvrir une Méthodologie d'Acting !

Ces 5 jours permettent aux participants de muscler leur jeu d'acteur tout en apprenant les techniques du jeu sur le terrain d’un plateau de tournage : décrypter une séquence, faire connaissance avec son personnage, canaliser son intensité à l'image, placer son regard, sa voix, sa respiration... Toutes les répétitions des scènes travaillées sont filmées, visionnées et analysées . Les vidéos vous seront remises via un serveur en ligne la semaine suivant le stage et certaines vidéos pourront être utilisées pour votre bande démo d’acteur.

Groupe limité à 8 personnes

Date du 10 au 14 juillet à Aix-en-provence (13)

Techniques de l'image cinéma : LA RESOLUTION DE L’IMAGE

Sat, 01 Apr 2023 10:00:00 GMT

LA RESOLUTION DE L’IMAGE

La résolution de l'image est l'un des paramètres clés à prendre en compte lors de la création d'une image cinématographique de qualité professionnelle. Il s'agit de la mesure de la quantité de pixels qui compose l'image, et plus la résolution est élevée, plus l'image est détaillée et nette.

Il existe différents types de résolutions, mais les plus couramment utilisés dans l'industrie cinématographique sont la 2K (2048 x 1080 pixels), la 4K (4096 x 2160 pixels) et la 8K (7680 x 4320 pixels). La 2K est souvent utilisée pour les projets à petit budget ou pour les tournages en streaming, tandis que la 4K et la 8K sont de plus en plus courantes pour les productions de haute qualité.

En tenant compte de la résolution de votre image, vous devez prendre en compte plusieurs facteurs. Tout d'abord, vous devez tenir compte de la taille de l'écran sur lequel votre film sera projeté. Plus l'écran est grand, plus la résolution doit être élevée pour maintenir la qualité de l'image. Si vous projetez votre film dans un petit cinéma, une résolution de 2K pourrait suffire, mais pour une projection sur un grand écran IMAX, une résolution de 4K ou 8K sera nécessaire.

Un autre facteur important à prendre en compte est la quantité de détails que vous pourrez éventuellement capturer dans votre image. Si vous devrez faire des plans rapprochés de visages ou d'objets, une résolution plus élevée vous permettra de capturer plus de détails et de nuances dans les couleurs. Cependant, une résolution plus élevée signifie également des fichiers plus volumineux, ce qui peut entraîner des temps de traitement plus longs et nécessiter plus d'espace de stockage.

En plus de la résolution, il est important de prendre en compte d'autres paramètres de la caméra cinéma tels que la profondeur de champ, la vitesse d'obturation, l'ISO et l'ouverture. La profondeur de champ détermine la zone de netteté de l'image, tandis que la vitesse d'obturation contrôle le temps d'exposition de la caméra à la lumière. L'ISO et l'ouverture incluent la sensibilité de la caméra à la lumière et la quantité de lumière entrant dans l'objectif.

En conclusion, la résolution de l'image est un paramètre crucial à prendre en compte lors de la création d'une image cinématographique de qualité professionnelle.

Et petite astuce pour terminer: n'oubliez pas d'augmenter votre résolution au tournage si vous souhaitez au montage "Cropper" dans l'image, c'est-à-dire "zoomer dans l'image". C'est un zoom numérique donc vous zoomer dans les pixels. Exemple tournage en 4K pour un montage en HD.

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

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STAGE JEU CINÉMA EN RESIDENCE WEEKEND

Fri, 24 Mar 2023 10:35:23 GMT

Stage Jeu Cinéma En residence Weekend

du vendredi 12 mai à 17h au dimanche 14 mai 17h

avec hébergement dans un gîte ou villa (adresse adresse à confirmer rayon de 50 klm d’Aix-en-Provence et repas non compris)

Inscription avant le 12 avril

Salut à tous

En tant que coach de Acteur depuis 2015, je propose un nouveau stage en Residence sur un weekend !

STAGE JEU CAMÉRA 2 JOURS :

C'EST L'ENTRAÎNEMENT DE L'ACTEUR CINÉMA EN IMMERSION

Le concept :

Le stage «Jeu d'acteur face à la caméra» est une formation de 2 jours en résidence. Ces 2 jours permettent aux participants d'apprendre les techniques du jeu d'acteur sur le terrain avec un rôle distribué sur mesure avec de coaching , d'entrainement :

décrypter une séquence, faire connaissance avec son personnage, canaliser son intensité à l'image, placer son regard, sa voix, sa respiration…

Toutes les répétitions des scènes travaillées sont filmées, visionnées et analysées le dimanche après- midi.

+ Livraison des séquences tournées

Les vidéos vous seront remises via un serveur en ligne la semaine suivant le stage. Les vidéos du dernier jours pourront servir pour votre bande démo !

Groupe limité à 8 personnes

Prérequis :

expérience de jeu justifiée :

théâtre ou formation d'acteur

Le stage est animé par Eddy Creuzet Réalisateur et Coach d'acteur. (en connaître plus)

Le programme:

Vous recevrez 2 à 3 semaines avant, 1 à 3 séquences de film ou de série à apprendre par coeur. Vous finissez par "caster" un selfie pour un rôle qui fonctionne tout le week-end. "

Vendredi soir :

Travail à table, situations, personnages, questions et réponses

Coaching du samedi, échauffement, improvisation de rôles, tournage de séquences

Poste de nuit du samedi soir (après le dîner)

Dimanche matin:

Prise de vue en continu de séquences

Dimanche après-midi:

Projection vidéo et analyse de spectacles

15 jours plus tard:

Diffusez Rush en HD

Vidéo disponible en démo

Montage optionnel

Groupe limité à 8 personnes

STAGE JEU CINÉMA POUR ADO 7 JANVIER

183:819935238 (Eddy Creuzet) — Fri, 04 Nov 2022 17:06:48 GMT

Stage Jeu Cinéma pour Ado

7 janvier 2022

10h -17h

Aix-en-Provence

Salut à tous

En tant que coach d' Acteur Adulte, Ado et Enfant depuis 2015 , je propose dorénavant un stage jeu cinéma pour ADOLESCENT .

Ce stage de formation aux techniques jeu caméra adapté à l'âge des jeunes acteurs.

va vous permettre de vous entraîner au Jeu Caméra afin et d'apprendre les techniques de mise en scène caméra, de travailler le casting avec différents personnages, différentes attitudes sur des séquences de film ou de série de toutes époques en tant qu'acteur est Actrice.

C'est ouvert à toutes et à tous, le seul prérequis et de savoir apprendre par cœur un texte de 14 à 17 ans

Pour qui ?

Pour les enfants/adolescents passionnés de cinéma comédiens de
Pour les enfants/adolescents avec déjà de l' expérience du théâtre et qui souhaitent faire la passerelle entre le jeu scénique et le jeu caméra qui souhaitent s’entraîner, garder ou acquérir une efficacité de jeu dans l’instant.
Pour les enfants/adolescents apprentis comédiens qui souhaitent découvrir le métier d’acteur.
Avec un seul pré requis apprendre un texte par coeur
Age : de 10-15 ans
Nombre de places limité à 6 à 8 participants par stage

Groupe limité à 8 personnes

STAGE JEU CINÉMA SAMEDI 17 DECEMBRE

183:819935238 (Eddy Creuzet) — Fri, 04 Nov 2022 16:58:42 GMT

Stage Jeu Cinéma mensuel

17 décembre 2022

10h -17h

Aix-en-Provence

Salut à tous

En tant que coach de Acteur depuis 2015, je propose chaque mois le samedi un stage je cinéma.

C'est ouvert à toutes et à tous le seul prérequis et de savoir apprendre par cœur un texte

de 18 à ...ans

Groupe limité à 8 personnes

STAGE DE RENTRÉE JEU CAMÉRA 5 JOURS 30 oct au 4 nov

183:819935238 (Eddy Creuzet) — Tue, 27 Sep 2022 13:03:42 GMT

Stage de la Toussaint jeu caméra intensif 5 jours du 30 octobre au 4 novembre

Salut à tous

je propose un stage de cinq jours intensif à la Toussaint pour vous permettre de vous entraîner au Jeu Caméra afin d'apprendre les techniques de mise en scène caméra, de travailler le casting avec différents personnages, différentes attitudes sur des séquences de film ou de série de toutes époques.

Le concept :
Le stage «Jeu d'acteur face à la caméra» est une semaine d'entraînement comme un sportif. Ces 5 jours permettent aux participants de muscler leur jeu d'acteur tout en apprenant les techniques du jeu sur le terrain d’un plateau de tournage : décrypter une séquence, faire connaissance avec son personnage, canaliser son intensité à l'image, placer son regard, sa voix, sa respiration... Toutes les répétitions des scènes travaillées sont filmées, visionnées et analysées . Les vidéos vous seront remises via un serveur en ligne la semaine suivant le stage et certaines vidéos pourront être utilisées pour votre bande démo d’acteur.

Groupe limité à 10 personnes

Date du 30 octobre au 4 novembre 2022 à Salon de Provence (13)

ATELIERS JEU CAMÉRA SAISON 2022-2023

183:819935238 (Eddy Creuzet) — Sun, 10 Jul 2022 11:08:32 GMT

Ouverture des inscriptions aux Ateliers jeu caméra

Saison 2022-2023

Salut à tous

Les inscriptions pour les ateliers Jeu Caméra de la saison prochaine à partir de septembre sont possibles ici:

https://www.acting-stage-sud.com/contact-et-inscriptions/inscription-ateliers-jeu-camera-2022-23/

Je propose des Ateliers de formation et d'entrainement Jeu caméra pour les acteurs et actrices cinéma et audiovisuel.

Plusieurs niveaux : Débutant, Intermédiaire Et Expérimenté

Au programme vous aider à devenir des acteurs et actrices "PAT" : Prêt À Tourner

Formation devant la caméra : Le Blocking des acteurs : travail sur, pourquoi, où et comment les acteurs bougent dans la scène avec la caméra
Entrainement au casting toute l'année : force de propositions de personnages et développement de l'imaginaire de la situation
Ateliers de tournage toutes les 6 semaines : avec un rendu cinéma pour constituer des images de votre bande démos vidéo.
Débriefing vidéo pour analyser la justesse du jeu (la caméra voit tout)
Tournage d'un court métrage de fin d'année en juin (Scénario original)

Admission sur Entretien téléphonique + Selftape pour déterminer votre niveau

Ces Ateliers permettent la Professionnalisation d'acteur et développement personnel par Eddy Creuzet, Réalisateur, Acteur et Coach d'acteur depuis 2015.

Le travail de ces ateliers de performance repose sur deux axes : la mémoire émotionnelle et l'analyse dramatique .

A travers un film ou une série, vous testerez tour à tour les méthodes de "Stanislavsky", "Meisner" ou encore "Louis Jouvet".

Trouvez et adoptez votre propre technique, votre propre approche du travail d'acteur ne dépend que de vous !

Groupes limités de 6 à 8 personnes selon votre niveau

Le Mardi : Niveau Pro

Le mercredi : niveau intermédiaire

Le Lundi : Débutant (sans expérience du jeu ni cours de théâtre)

De septembre 2022 à juin 2023

STAGE D'ÉTÉ JEU CAMÉRA 5 JOURS 11 AU 15 JUILLET

183:819935238 (Eddy Creuzet) — Tue, 24 May 2022 10:37:25 GMT

Stage d'été jeu caméra intensif cinq jours du 11 au 15 juillet

Salut à tous

je propose un stage d'été de cinq jours intensif du 11 au 15 juillet pour vous permettre de vous entraîner au Jeu Caméra afin d'apprendre les techniques de mise en scène caméra, de travailler le casting avec différents personnages, différentes attitudes sur des séquences de film ou de série de toutes époques.

Groupe limité à 10 personnes

Date du 11 au 15 juillet 2022 à Salon de Provence (13)

LA VITRE Sélections festivals

183:819935238 (Eddy Creuzet) — Thu, 12 May 2022 14:38:33 GMT

La vitre : déjà 2 sélections aux festivals de courts-métrage

Le 1er Court-métrage de mon ami Henri Carrée, où j'ai eu l'honneur d'être Co-auteur et Chef opérateur.

Le film est inscrit aux festivals et nous venons d'avoir 2 sélections :

-20% BANDE DÉMO ACTEUR - OFFRE JUSQU'AU 30/01/22

183:819935238 (Eddy Creuzet) — Wed, 29 Dec 2021 17:10:14 GMT

TOURNAGE ET/OU MONTAGE VIDÉO DÉMO POUR ACTRICE ACTEUR

Amis Comédien-nes, vous cherchez à enregistrer votre bande vidéo démo en montrant votre palette de jeu d’acteur ? Votre bande démo est obsolète ? Ou pire vous n’en avez pas encore ? Je vous propose de venir travailler vos textes, préparer vos scènes et apprivoiser la caméra avant de tourner votre vidéo démo de comédien (montée et livrée en 15 jours)

OFRE de Noël : -20 % sur le tarif de la bande démo comédien-nne : tournage et montage .

Offre jusqu'au 30 janvier 2022, profitez-en par ici :

TOURNAGE SÉRIE WEB : MOI SEXISTE ?

183:819935238 (Eddy Creuzet) — Wed, 29 Dec 2021 16:49:30 GMT

TOURNAGE SERIE WEB : MOI SEXISTE juin à décembre 2021 - 8 épisodes sur 10

MOI SEXISTE ? j'ai créée une série web sur le sexisme ordinaire : Basé sur des témoignages, chaque épisode raconte une situation de sexisme ordinaire.

Cette série ait écrite par plusieurs auteurs et auteures et mise en scène par différents réalisateurs et réalisatrices.

Nous avons tourné jusqu'ici 8 épisodes et il en reste encore deux pour terminer une saison avant diffusion sur les réseaux sociaux, j'espère pour février mars 2022

AGENDA STAGE ACTING 5 JOURS FÉVRIER 2022

183:819935238 (Eddy Creuzet) — Tue, 02 Nov 2021 17:36:34 GMT

Stage Jeu Caméra pour Actrice Acteur de 5 jours : Prochain stage du 21 au 25 février à Salon de Provence

Inscription avant le 30 janvier

STAGE JEU CAMÉRA 5 JOURS : L'ENTRAÎNEMENT DE L’ACTEUR CINÉMA

Le concept :

Le stage «Jeu d’acteur face à la caméra» est une semaine d'entraînement comme un sportif. Ces 5 jours permettent aux participants de muscler leur jeu d'acteur tout en apprenant les techniques du jeu sur le terrain d’un plateau de tournage : décrypter une séquence, faire connaissance avec son personnage, canaliser son intensité à l'image, placer son regard, sa voix, sa respiration…

Toutes les répétitions des scènes travaillées sont filmées, visionnées et analysées.

Les vidéos vous seront remises via un serveur en ligne la semaine suivant le stage.

Groupe limité à 10 personnes

Le stage est animé par Eddy Creuzet Réalisateur et Coach d’acteur. ( en connaître plus )

TOURNAGE COURT-MÉTRAGE LA VITRE

183:819935238 (Eddy Creuzet) — Sun, 30 May 2021 15:33:25 GMT

Tournage CM mai 2021 - Chef Opérateur image

Tournage du 1er Court-métrage de mon ami Henri Carrée : La Vitre. Co-auteur, je suis aussi Chef opérateur image. Je me suis régaler à fabriquer la lumière selon les souhaits d'Henri. Le film est en postprod.

LE CASTING : MES 5 CLÉS POUR NE PAS LE RATER

183:819935238 (Eddy Creuzet) — Tue, 23 Feb 2021 11:00:00 GMT

LE CASTING : MES 5 CLÉS POUR NE PAS LE RATER

J'ai une question pour vous : Est-ce que le fait de passer un casting vous met dans un état de stress? Si la réponse est “non”, ne regardez pas cette vidéo!

intro:

Le 1er conseil que je peux vous donner est de supprimer le mot “ réussite” de votre vocabulaire.

Ne partez pas faire un casting avec cette idée fixe de réussir votre prestation.

Cela ne peut que vous mettre encore plus de pression et donc forcément faire l'effet inverse. Je vous propose donc à la place de penser à cette phrase: je vais profiter du quart d'heure qui m’est offert pour jouer et pour m'amuser!

Car je vous rappelle qu'en réalité, c’est nous-même à hauteur d’au moins 50% qui nous provoquons notre stress , car intérieurement nous sommes souvent dans une surenchère de catastrophisme:

Exemple : si je rate ce casting, je suis fini … cela voudra dire que je suis un mauvais comédien… ou alors que je ne pourrai pas maintenir mon statut d'intermittent du spectacle, etc...

1er : maîtrisez vos 50%

Pour résumer ce 1er point important, le résultat casting dépend de vous pour déjà 50% ! Mais concrètement, vos 50% de quoi sont-ils composés?

votre apprentissage du texte par cœur, sans bafouille
le fait d’arriver au casting avec une tenue, une attitude qui rappelle votre personnage
et bien sûr, une élocution, un jeu naturel totalement imprégné du personnage.

Mais les autres 50 %, qu’en est-il alors?

Et bien tout simplement, au fait que vous correspondez ou non à l'idée qu’a le réalisateur de son personnage!

Mais dès lors que vous aurez rempli vos 50 %, à la sortie du casting vous vous sentirez satisfait de votre prestation, c’est donc que vous aurez fait le job comme on dit!

2e : pensez à vous amuser

Ceci est indispensable, je rappelle la définition du mot JEU : “activité physique ou mentale dont le but essentiel est le plaisir qu'elle procure”.

donc si vous allez au casting en traînant les pieds, en râlant, en vous disant que vous avez peur de le rater, ou une autre prise de tête négative alors forcément vous avez beaucoup plus de risques de ne pas remplir vos 50% !

Persuadez-vous que vous allez vous amuser , que vous allez profiter de ce quart d'heure qui vous est octroyé pour vous oublier un peu, pour vous lâcher enfin!

Donc frottez-vous les mains de plaisir en y allant tout simplement et régalez-vous!

Bien évidemment, vous aurez un peu le trac, comme en montant sur scène devant beaucoup de personnes, ou jouant devant une caméra , mais ne confondez jamais le trac qui est votre carburant avec le stress qui est votre frein à main!

3e : soyez disponible pour faire de l’impro

Alors, vous venez de bien travailler une proposition de personnage, vous avez appris le texte par cœur.

Mais il serait très bien également de vous entraîner à improviser , c'est pour ça qu'il était vraiment important de bien imaginer la situation dans laquelle évolue votre personnage afin d’être à l'aise pour l’impro. Car c onnaître l'environnement immédiat du personnage, c'est comme connaître la température, et la profondeur d’une piscine au cas où quelqu'un vous jetterait dedans!

Pour bien improviser, vous devez connaître le type de vocabulaire utilisé par votre personnage: basez-vous sur la séquence pour bien utiliser et connaître le vocabulaire adéquat.

4e : Entraînez vous à l’acting : stage et atelier jeu caméra

Encore une fois, j'insiste bien sur le fait qu’un acteur doit fonctionner comme un sportif de haut niveau, dans le sens où si vous faites un marathon de 10 km sans vous entraîner pendant quelques mois, vous risquez de vous arrêter au bout de 100 mètres!

Les stages et ateliers jeu/caméra vous permettent également de relâcher la pression du casting, donc de le banaliser et ainsi cela participe au lâcher-prise de l'acteur.

J'ai écrit un article où je partage mes 5 techniques pour un efficace lâcher-prise pour comédien, lien ici :

Et enfin le fait de s'entraîner régulièrement vous permet de garder le rythme et d’éviter les vides entre deux tournages ou deux castings.

5e: Soyez aimable : le casting est un “date”

Oui certains vont dire que j'abuse, mais le casting est basé sur des rencontres, nous faisons réellement un métier de séduction. Donc il faut plaire avec en plus de toutes vos autres qualités, la réelle qualité de votre travail et votre Amabilité.

Soyez Aimable dans le premier sens du terme : “digne d'être aimé”.

Même si vous vivez des moments difficiles dans votre vie personnelle, psychologique, il faut que vous restiez, quoi qu'il arrive, en capacité d'être aimé par le directeur de casting ou le réalisateur.

Évidemment surtout restez vous-même, mais apprenez à ressentir du plaisir à être aimable, et observer les réactions positives et agréables que vous récolterez en retour, mais ne vous forcez pas, soyez juste sympa.

Par exemple, un réalisateur doit partir tourner 3 mois à l'étranger: il va préférer emmener un acteur aimable avec une technique peut être moins efficace qu’un gros c.....d “ bipppp!!” super bon acteur mais qui risque de créer des problèmes!

conclusion :

Mon ultime conseil, une fois sorti du casting, surtout mais vraiment surtout n'attendez pas le résultat! continuez votre vie ! Pensez à autre chose, oubliez tout simplement et lorsque l’on vous appellera pour une bonne nouvelle, ce sera une véritable surprise!

De façon générale, l'attente génère du stress, un sentiment d'impatience voire de l'angoisse! puis forcément, vous allez trimballer toutes ces émotions négatives dans vos bagages !

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

Je coache des acteurs-trices en ateliers et stages jeu-caméra à Aix-en-Provence :

https://www.acting-stage-sud.com

Pour me suivre :

Site vidéo corporate : https://www.actfilm.fr

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LE TRAVAIL DE COMEDIEN : 5 EXERCICES POUR TRAVAIL SEUL À LA MAISON

183:819935238 (Eddy Creuzet) — Tue, 09 Feb 2021 09:45:00 GMT

LE TRAVAIL DE COMEDIEN : 5 EXERCICES POUR TRAVAIL SEUL À LA MAISON

J'ai une question pour vous : faites-vous vos devoirs à la maison?

Une fois son petit déjeuner avalé, le musicien commence à faire ses gammes , travailler ses morceaux, et vous, en tant qu'acteur-trice, que faites- vous comme exercice le matin après le petit déjeuner?

Si vous répondez : “rien” parce que vous vous dites ne pas en avoir besoin puisque vous vous trouvez trop bon, alors ne regardez pas cette vidéo.

Mais si vous répondez “rien” parce que l'idée ne vous est pas venue, alors là cette vidéo peut vous intéresser.

Cet article contribue aux autres articles qui mettent l'accent sur l'entraînement de l’acteur.

Voici mes 5 exercices pour faire vos Home work en tant qu'acteur et actrice !

1er exercice :

Faire des actions dans la peau d‘un personnage

Choisissez d'abord des traits de caractère bien particuliers ou bien des comportements liés à une pathologie, ou à un état psychologique spécifique, ou travaillez sur un personnage que vous avez aimé ou détesté dans un film, un roman

puis ensuite faites la liste d’une série d'actions simples de la vie de tous les jours:

marcher, bavarder, vous tenir debout , vous asseoir, faire la vaisselle, vous laver les dents, etc...

Répétez ensuite ses actions banales dans la peau du personnage que vous avez choisi.

Le but de l'exercice est de vous permettre de vous oublier , de casser vos propres réflexes et de vous créer de nouveaux gestes, de vous approprier une façon de vivre différente de la vôtre.

Ainsi cela vous facilitera le travail lors de la création d'un nouveau personnage que l’on vous demandera de jouer.

2e exercice:

Exercices de voix , articulation et respiration

Il semble évident et parfaitement logique de vous rappeler que votre voix est un instrument très important. Pour cela il existe de très bons exercices assez difficiles à réaliser sur l'articulation sur Internet, leur but étant de vous permettre de bien détendre les muscles de la mâchoire.

Même si au cinéma il ne vous est pas demandé une articulation comme au théâtre, il est quand même très important de vous sentir à l'aise avec votre instrument.

Car attention une mauvaise articulation et des bafouilles peuvent être à l’origine d’une mauvaise respiration et forcément gâcher tout votre jeu.

Je vous invite vivement à pratiquer des exercices de respiration.

J’en parle d’ailleurs dans l'article sur les 5 techniques de comédien pour un lâcher prise, ici

Bien savoir respirer permet de bien faire circuler l'air qui structure votre phrasé.

D’abord identifiez votre façon de respirer? si c’est avec les poumons, faites des exercices de yoga pour apprendre à utiliser votre diaphragme , c'est lui qui va vous permettre de crier sans vous abîmer les cordes vocales.

Concrètement votre ventre se gonfle lorsque vous inspirez et il se creuse lorsque vous expirez.

3e exercice :

Méditation de pleine conscience

Il s’agit d’exercices quotidiens basés sur la respiration permettant d'accueillir avec bienveillance vos émotions, vos sensations, sur votre corps et dans votre tête au moment présent.

Vous pouvez pratiquer 10 à 15 minutes par jour de méditation, cela contribue à améliorer votre hygiène métaphysique, ce qui est indispensable à mon avis.

La méditation pleine conscience est un véritable couteau suisse : à n’importe quel moment de la journée, n’importe quel lieu, elle vous apportera bcp de sérénité avec notamment le lâcher prise, indispensable pour devenir un bon acteur.

4e exercice :

Entraîner votre mémoire

En tant qu’adulte, cela peut faire longtemps que l'on a pas appris par cœur, il peut être difficile de relancer la machine !

Si vous vous trouvez dans une période sans casting, sans tournage et sans stage, choisissez une séquence dialoguée entre 2 personnages d’une série ou d’un film que vous aimez puis apprenez les deux rôles par coeur , ensuite recommencer avec une autre séquence.

Adoptez un rythme par exemple d’apprendre une séquence par semaine,

votre capacité de mémorisation va très rapidement s’améliorer pour bien sûr vous permettre de travailler plus efficacement !

Je vous rappelle que pour un casting nous recevons souvent le texte seulement deux-trois jours avant.

5e exercice:

Lire un texte “noble “ monologue ou pièce de théâtre

Comme j'aime le dire: la base du travail de comédien vient du théâtre

choisissez un bouquin classique d’une pièce de théâtre et lisez à haute voix : 10 minutes par jour de

un monologue mais aussi des dialogues pour lire tous personnages en changeant votre voix Comme peut faire la plupart des parents lorsqu'ils lisent un livre à leurs enfants le soir

Cet exercice permet votre cerveau intégrer le phrasé + le vocabulaire + les situations et des personnages extrait de textes inspirants artistiquement

Exercices à double emploi car avec ces lectures, vous aurez enrichissez Votre culture générale !

conclusion :

Les exercices sont à faire dans l’idéal : quotidiennement

Pas forcément les cinq exercices dans la même journée mais 1 par jour et vous changer le lendemain

Mais surtout exercices à faire avec plaisir et c'est ça aussi le travail de l'acteur :

trouver ce qui va vous plaire pour bien le faire.

N'hésitez pas à laisser en commentaire d autres exercices à vous pour partager avec les autres merci

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

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LE PERSONNAGE : 5 TECHNIQUES POUR TRAVAILLER SON PERSO

183:819935238 (Eddy Creuzet) — Tue, 26 Jan 2021 09:15:00 GMT

LE PERSONNAGE : 5 TECHNIQUES POUR TRAVAILLER SON PERSO CINÉMA

J'ai une question pour vous : votre personnage au cinéma, est-ce un rôle de composition ou est-ce vous ?

On vous l’assène dès le début que vous vous intéressez au métier de comédien : “bosse ton perso !”

alors dans cette article je vous donne mes 5 techniques pour travailler son personnage au cinéma !

1er technique : Faites connaissance avec votre perso :

les questions de 20 à 50

Afin de faire connaissance, il est important de pouvoir dialoguer avec lui. Pour cela, mettez-vous devant un miroir avec une feuille blanche sur le visage et dites à votre personnage ce que vous pensez de lui mais en le défendant comme un ami.

2e technique : Soyez votre propre auteur :

Il est primordial de déterminer l’objectif global, de découvrir le secret de votre personnage.

Posez-vous les questions suivantes:

Quel est l’objectif narratif? Quel est l’objectif de la séquence? Y a-t-il des obstacles à atteindre ces objectifs?

3e technique : Cherchez-le dans votre corps:

Dans votre comportement physique: en analysant et comparant vos démarches et postures assises, debout...

Dans votre comportement émotionnel: comment vous sentez-vous dans tel ou tel lieu? quand il fait froid, chaud? en présence d’odeurs... à l'aise ou agressé? par lesquelles? et l’environnement? Comment influe-t-il sur vos sensations? ...

Dans votre présentation physique: votre coiffure, vos accessoires, votre style?

4e technique : Quelle est votre état d'âme de départ (émotion tampon):

Votre passif immédiat ne doit pas influencer votre personnage: Soyez attentif à votre situation juste avant un tournage ou un casting, soyez conscient de cette réalité qui sera toujours là, mais vous avez appris à le gérer avec mes articles précédents.

5e technique : Cherchez l'interaction avec les autres personnages

Qu’est-ce qu'il vous renvoie? du positif ou quelque chose de désagréable?

Jusqu’où se situe votre interdépendance?

Qui est l'émetteur, le récepteur?

Observez et découvrez ce que vous donne l’autre, car c’est ce qui va déterminer vos réactions, cela est un point très important.

conclusion :

Votre perso doit devenir votre meilleur(e) ami(e) même s’il s’agit d’un rôle de méchant(e).

Votre relation intime avec lui va déterminer votre jeu et donc la sincérité de vos émotions, il faut qu’il soit le plus proche de vous, sans toutefois être vous!

Nommez-le, parlez-lui et demandez-lui de venir à vous avant d’aller sur un tournage ou un casting, et dites “Je” quand vous répétez avec un real ou un coach.

Il y a un équilibre à trouver entre la distanciation psychologique et le rapprochement émotionnel du personnage et de vous-même.

J'espère que cet article vous aura plu ? n'hésitez pas à partager avec vos amis comédien comédienne, de vous abonner au blog pour être au courant des prochains articles d’acting que je mettrais en ligne

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

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LE CASTING : MES 5 CLÉS POUR NE PAS LE RATER

183:819935238 (Eddy Creuzet) — Tue, 12 Jan 2021 09:06:48 GMT

LE CASTING : MES 5 CLÉS POUR NE PAS LE RATER

J'ai une question pour vous : Est-ce que passer un casting vous stresse à l”’avance ? Si la réponse est “non” ne lisez pas cet article !

intro

1er conseil que je peux vous donner : de supprimer le mot “ réussite” de votre vocabulaire

N'allez pas à faire un casting avec cette idée de réussir votre prestation.

Ça ne peut que vous mettre la pression sur les épaules et faire l'effet inverse

je propose plutôt de penser à cette phrase: je vais profiter de mon quart d'heure qui m’est donné pour jouer et pour m'amuser !

je vous rappelle que dans 50% des cas : le stress c'est nous même qui le provoquons .

Nous sommes souvent dans une surenchère de catastrophisme :

Exemple : si je rate de ce casting je suis fini ... je suis un mauvais comédien….ou je ne pourrai pas pour mon statut d'intermittent du spectacle etc.

1er clé : maîtrisez vos 50%

Ça veut dire que le résultat casting ne dépend de vous que à 50 %

vos 50 pour cents correspondent à quoi ?

Votre apprentissage du texte cœur, votre travail de proposition de personnage et de venir avec une tenue que pourrait porter votre personnage

Les autres 50 % correspondent à quoi alors?

Et bien tout simplement au fait que vous correspondez ou non au personnage imaginé par le réalisateur

vous aurez rempli vos 50 % si à la sortie du casting vous sentez satisfait de votre prestation et que vous avez fait le job comme on dit

2e : pensez à vous amuser

C'est indispensable je rappelle la définition du mot JEU : “activité physique ou mental dans le but essentiel et le plaisir qu'elle procure”

donc si vous allez au casting en traînant les pieds, en râlant, en vous disant que vous avez peur de le rater ! ou autre prise de tête négative alors forcément vous avez beaucoup plus de risques de ne pas remplir vos 50% !

Que vous allez vous amusez que vous allez profiter de ce quart d'heure qui vous est octroyé pour vous oublier un peu !

frottez vous les mains de plaisir d’aller tourner tout simplement !

Bien évidemment vous aurez un peu le trac , Comme pour monter sur scène devant une caméra mais ne confondez jamais le trac qui est votre carburant et le stesse qui est votre frein à main !

3e : soyez disponible pour faire de l’improvisation

Ok vous avez travaillé une proposition de personnage

vous avez appris le texte par cœur

Préparez-vous faire de l'impro ! c'est pour ça qu'il était très important de bien imaginer la situation dans laquelle évolue votre personnage afin d’être à l'aise pour l’impro

Connaître l'environnement immédiat du personnage c'est comme connaître la température, la profondeur et la forme de la piscine au cas où quelqu'un où jetterais dedans

pour bien Improviser il faut connaître les mots utilisés par votre personnage: basez-vous sur la séquence pour utiliser vocabulaire adéquat.

4e : Entraînez vous à l’acting : stage et atelier jeu caméra

Encore une fois j'insiste : un acteur est sportif de haut niveau

, si vous allez faire un marathon de 10 km sans vous entraîner quelques mois avant, vous risquez de vous arrêter au bout de 100 mètre.

les stages et ateliers jeu caméra vous permettent aussi de relâcher la pression du casting de rendre tout ça normal et ca participe au lâcher prise de l'acteur

j'ai fait une vidéo où je partage mes 5 techniques pour lâcher prise pour comédien je vous remets la fiche ici

Et enfin l'entraînement d’acteur permet de garder le rythme et éviter les trous entre deux tournages ou entre deux casting

5e : soyez aimable : le casting est un “date”

Oui certains vont dire que j'abuse mais le casting est basée sur des rencontres

ce sont des métiers de séduction.

donc il faut séduire avec en plus votre qualité de travail et votre amabilité.

soyez Aimable dans le premier sens du terme : “digne d'être aimé”

Même si vous avez de gros pépins de vie, la santé, psychologique ou financier : il faut que vous restiez, quoi qu'il arrive, en capacité d'être aimé par le directeur de casting ou le réalisateur.

Évidemment surtout restez vous-même, ne forcer c'est pas le trait soigner au minimum sympa

Exemple d'un réalisateur doit tourner 3 mois à l'étranger: il va préférer emmener un acteur aimable avec un technique moins efficace qu’un gros c......d !

conclusion :

Mon conseil ultime, une fois sorti du casting, surtout surtout n'attendez pas le résultat ! continuer votre vie ! Penser à autre chose oubliez tout simplement et on vous appelle une bonne nouvelle, ce sera une bonne surprise

De façon générale, L'attente génère du stress, un sentiment d'impatience voir de l'angoisse !

et vous allez vous trimballer ces émotions avec vous en bagage !

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

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https://www.acting-stage-sud.com

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FICTION AUDIO : PLUS RIEN PERDRE

183:819935238 (Eddy Creuzet) — Thu, 10 Dec 2020 16:55:19 GMT

ACTU PRODUCTION FICTION AUDIO DECEMBRE 2020

Je vous présente ma nouvelle réalisation : PLUS A RIEN A PERDRE, une fiction audio avec Adrien Malvoisin Kevin Hesschentier Cécilia Faraut et Ewunia

Merci à Lise Bchr et Martin Praud pour la prise de son

Je vous conseille de prendre vos écouteurs pour une meilleur immersion ! Bonne écoute !

RECOMPENSES POUR PROJET NÉÏDE

183:819935238 (Eddy Creuzet) — Thu, 12 Nov 2020 17:04:25 GMT

Actu Sept Oct et Novembre 2020

le Pilote de ma série web : NEÏDE a été sélectionné par :

Sydney Lift-OFF Film Festival
le Web Series & New Media Film Festival (Lift-Off Global Network)
Minnesota WebFest aux Etats Unis
London short Series Festival

: VOIR LE PILOTE

#Selectionfestivalweb #fierdetoutelequipe #merci��

NEÏDE - pilote série ou CM

Synopsis : Tom et Audrey viennent de se rencontrer mais leur passion va vite être bouleversée. Tom, flic à la judiciaire doit enquêter avec son supérieur et ami JM, sur un meurtre sauvage, celui d’un homme à moitié dévoré dans une chambre d’hôtel. Audrey haute responsable d’un groupe de médias, se découvre un mal mystérieux qui la pousse à tuer ce dont elle n’a aucun souvenir. Un combat va se déclarer entre Tom et Audrey et entre la raison et l’instinct…

Genre : Romance thriller fantastique

Neïde : une série web réalisée par Eddy Creuzet, d'après une idée originale de Eddy Creuzet, écrite par Eddy Creuzet, Sofie Roux, Sébastien Bourg et Christophe Belzunce, produite par ACT’film en coproduction avec Casti Studio et SB Production et en partenariat avec l’association In Zeprod

Avec : Flora Bourne-Chastel et Kevin Hesschentier

le lâcher-prise pour l'acteur : 5 techniques pour y arriver

183:819935238 (Eddy Creuzet) — Fri, 23 Oct 2020 15:54:01 GMT

le lâcher-prise pour l'acteur : 5 techniques pour y arriver

Dans cet article d'Acting, nous allons voir comment vous pouvez tenter d'accéder au lâcher-prise !

Car aujourd'hui, cette quête est devenue le Graal pour l’acteur.

Donc nous allons essayer dans cette vidéo de démystifier ce fameux terme utilisé à gogo dans toutes les vidéos de développement personnel.

Qu’est-ce que le lâcher-prise pour l’acteur ?

Ce serait comme une formule magique qui vous permettrait d'être le meilleur des meilleurs en toute circonstance.

Les acteurs avec lesquels je travaille, ont témoigné que c'était pour eux la façon ultime d'incarner n'importe quel personnage, même pour ceux qui sont loin de faire de belles prestations.

Comme si le lâcher-prise était le dernier obstacle à franchir pour être un comédien accompli.

Il faut comprendre par là, que le lâcher-prise est propre à chacun et dépend de toutes vos retenues, de votre pudeur et des croyances annihilantes accumulées depuis votre enfance, bref de votre propre personnalité.

1- les techniques de respiration:

La respiration est la base de détente du corps humain.

Or la détente de l'acteur est la base. Par exemple, dans la fameuse méthode de l’Actors Studio originaire des États-Unis, la moitié des cours est dédiée à la détente de l'acteur via différentes techniques de respiration et de yoga.

Vous n’êtes pas obligé de prendre non plus des cours de yoga!

Mais sur internet, il y a pléthore de vidéos qui vous donnent des techniques.

Par exemple: celle de la cohérence cardiaque qui synchronise notre respiration sur nos battements de cœur; ou encore la respiration carrée, où l'on bloque puis on inspire sur 4 secondes et on bloque poumons pleins durant 4 secondes, puis on expire sur 4 secondes et on bloque poumons vides durant 4 secondes et ceci sur plusieurs séries.

Je conseille d'utiliser ces techniques de lâcher-prise instantané juste avant un casting ou d’attaquer une séquence, cela va calmer votre trac et vous détendre laissant donc toute la place à votre personnage.

2 - méditation de pleine conscience:

Cette pratique prônée par les sagesses orientales intéresse depuis longtemps les neuroscientifiques et psychologues, et je pense que vous, les acteurs n'avez pas encore pris toute la mesure de la puissance de cet outil.

Il permet de gagner en paix intérieure, en réduisant le stress.

Aujourd’hui, on dispose d’un nombre relativement important d’études scientifiquement valides prouvant une réelle efficacité pour guérir de nombreux troubles nerveux.

Personnellement cela m'a ouvert “les antennes à sensations”: j'ai l'impression d'être plus à l'écoute de quelqu'un sans avoir besoin de parler.

Cette pratique nous permet de nous mettre de côté pour voir les situations et les événements avec plus de sérénité: on tourne intentionnellement son esprit vers le moment présent: perceptions du rythme respiratoire, des sensations corporelles, de ce que l’on voit et entend, de l’état émotionnel, des pensées qui vont et viennent...

En gros, cela permet d’évacuer plus rapidement ce qui vous brouille le cerveau.

La méditation va vous permettre de faire connaissance avec vos émotions propres afin de vous permettre de les prêter à vos personnages.

3 le coaching régulier pour se tester et expérimenter

Travaillez avec un coach régulièrement comme un sportif qui s'entraîne avec son coach avant chaque compétition.

Il est essentiel d’avoir un lieu pour expérimenter, essayer et se tromper, car c'est avec l'erreur que l'on apprend véritablement.

D'atelier en atelier, vous allez bien évidemment vous détendre sur l'exercice de l'acteur, c'est ça aussi le lâcher-prise! c'est de relâcher la pression que vous avez sur les épaules: de ne plus écouter la petite voix de l’ego qui vous dit “je dois être bon comédien, je dois être à la hauteur de ce qu’on me demande”.

Écoutez plutôt vos sensations, celles qui vous disent :

“je m'éclate! je vis le personnage et une situation qui me procure beaucoup de plaisir.”

A force de travailler avec un coach vous ne réfléchissez plus! jouer devient naturel, familier, agréable, ainsi vous pouvez atteindre le lâcher-prise.

4 l’hypnose:

L’hypnose nécessite moins d'efforts que la méditation, qui elle, demande au minimum 10-15 minutes de séance par jour mais tout en étant gratuite.

Mais, avec un peu d'argent, vous pouvez trouver un bon therapeute et suivre plusieurs séances dans le temps selon ce que vous voulez travailler. Cependant il faut être réceptif à l'hypnose or tout le monde ne l'est pas! et en général les gens me disent que c’est uniquement lorsqu’on a quelque chose à corriger comme l'arrêt du tabac, le grand classique...

Mais avec un thérapeute, on travaille sur les émotions, on va les comprendre, les corriger, ce qui est difficile à faire seul dans sa vie pris dans le tourbillon du quotidien.

Pour exemple, lorsqu’un acteur avec qui je travaille me dit qu’il a du mal avec la colère, ceci résulte souvent d’un blocage lié à ses souvenirs, un malaise refoulé, et donc ce comédien aura vraiment plus de mal à jouer des personnages en colère, or il est très intéressant d’être capable de jouer sur les nuances entre la colère sourde et la colère sanguine.

5 voir un psychologue pour soigner ses blessures:

Là évidemment, ceci est très très efficace mais demande un gros investissement de temps et d'argent. Mais honnêtement, je pense qu'aujourd'hui, vous ne pouvez pas vous passer d'un thérapeute en psychologie si vous êtes une personne avec des blocages réellement importants qui sclérosent votre jeu.

Ce sera l'ultime moyen si les quatre autres n'ont pas fonctionné avant.

conclusion

Ces 5 techniques ne sont pas les seules évidemment.

Donc n’hésitez pas à décrire la vôtre dans les commentaires pour partager avec d’autres comédiens/comédiennes.

Mais ces techniques peuvent être cumulables entres elles;

elles dépendent véritablement de la nature de vos blocages, à vous de voir si pour atteindre votre lâcher-prise, vous ressentez le besoin voir un psychologue, ou si simplement vous avez besoin de séances de respiration, certaines techniques étant plus efficaces sur le long terme que d’autres, à vous de les explorer!

Donc pour conclure, si vous apprenez à bien vous connaître, vous n’aurez plus peur de vos fragilités, comprenez-les et acceptez-les, et les bienfaits viendront d’eux-mêmes.

Merci de m'avoir lu , à bientôt

Eddy Creuzet

le coaching d'acteur c'est quoi ? ça sert à quoi? les 5 avantages d’un bon coaching de comédien

183:819935238 (Eddy Creuzet) — Fri, 23 Oct 2020 07:45:52 GMT

le coaching d'acteur c'est quoi ? ça sert à quoi? les 5 avantages d’un bon coaching de comédien.

Nous allons voir dans dans cet article les 5 avantages que vous retirerez en tant qu' acteur ou actrice d’un bon coaching comédien.

Ma définition du coaching d’acteur:

Il faut faire tout d'abord la différence avec la direction d'acteur qui elle, concerne le tournage en lui-même car cela prend en compte de façon essentielle le casting, le choix de vos acteurs et actrices pour vos personnages. On s'accorde à dire dans le métier, que le casting c'est 50 % au minimum du travail de direction d'acteurs.

Ensuite c'est la relation entre vous et le réalisateur qui va être déterminante sur un plateau de tournage.

Comment vous allez vous laisser guider plus ou moins, comment vous allez être à l'écoute du Réalisateur, comment vous allez réussir à retranscrire dans votre jeu toutes ces informations.

Ceci étant dit, vous allez voir que le coaching n'a rien à voir, sauf sur quelques points importants de méthode de travail d'acteur.

Je parle ici de la relation toujours entre vous comédien-comédienne et de votre coach:

qu’attendez-vous de lui d'elle?

Etes-vous prêts à lui faire totalement confiance? où avez-vous encore des retenues? un peu de pudeur ou de la gêne? bref tout cela ( le relationnel, le feeling avec cette personne) va être déterminant pour un travail efficace.

Ne travaillez pas avec un coach que vous ne supportez pas. Ceci est valable dans l'autre sens également: un coach ne travaillera pas avec un acteur-actrice avec qui ça ne passera pas bien.

Mon conseil pour travailler avec un coach, que ce soit en séance individuelle ou en groupe lors d'atelier ou de stage : vous devez être totalement investi avec votre corps et votre esprit comme si vous étiez sur un véritable tournage : votre engagement doit être le même.

Cela va vraiment déterminer le bénéfice du travail effectué.

les bienfaits pour vous! voici 5 avantages-conséquences si vous suivez un coaching comédien régulièrement.

1- la confiance en soi

Quand on a dit ça, on a tout dit! C'est la phrase générique du développement personnel que l’on entend partout depuis quelques années sur internet, mais je suis obligé d'en parler car c'est réellement la base, un fondamental pour être comédien.

Le coach va vous amener vers un travail totalement propre à vous , le coach est un guide, votre guide, et donc il va se baser sur ce que vous avez déjà en vous, ce qui est à corriger ou améliorer, et comme cela vient de vous, forcément vous allez vous dire “ah mais en fait je ne suis pas si nul que ça”, donc en conclusion vous vous estimerez bien mieux.

Il est indispensable d’avoir confiance en vous : il faut être comédien dans votre tête! même si vous êtes apprenti, débutant, ou si vous débutez à peine votre carrière.

N'attendez pas d'avoir un CV rempli d'expérience de jeu ou une bande démo pour vous considérer mentalement comme un comédien.

2- sortir de l’isolement et travailler avec pleins d’acteurs-actrices nouveaux et des coachs différents:

Se confronter à l'autre, à votre partenaire , c’est la même chose qu'un tennisman qui joue avec un adversaire et non contre un mur : ce n'est pas du tout le même travail.

Votre métier de comédien est basé sur l'humain: les personnages que vous incarnez sont tous en interaction avec d'autres personnages, sans l'autre nous n'existons pas , donc il est essentiel d'échanger avec d'autres acteurs et actrices qui vont aussi vous apporter de nouvelles choses.

Les apports bénéfiques viennent de vous, du coach, et également de vos partenaires. Je le dis souvent dans mes ateliers quand les acteurs attendent leur tour pour travailler, je leur dis: “N'attendez pas, mais apprenez en regardant.”

Et puis évidemment, essayez de travailler avec différents coachs si vous le pouvez dans différents matières, car les coachs sont tous différents.

En revanche petit bémol sur le zapping: n’allez pas picorer à droite à gauche sans vous investir, je le répète lorsque vous vous lancez dans un travail avec un coach, c'est un travail de longue haleine, c'est travailler dans le temps avec la même personne. J’ai pu observer que le One Shot n’est pas efficace.

3- rester réactif, et garder la forme:

Avec un travail de coaching acteur régulier, vous êtes dans les starting-block, pour répondre à des castings pour demain, accepter des tournages sans vous mettre la pression.

Le coaching permet de ne pas avoir de rupture dans votre quotidien d'acteur ou d'actrice.

Rien n’est pire que d'attendre le casting et le tournage sans rien faire.

Imaginez-vous un sportif de haut niveau qui attend sa compétition sans aller s'entraîner sur le terrain ? Jamais de la vie! c'est incongru! vous êtes aussi des sportifs de haut niveau, donc le coaching c'est votre entraînement !

Vous gardez la forme, le rythme et vous apprenez de nouvelles chose, vous enrichissez vos compétences.

4- identifier vos faiblesse et vos forces

Grâce à ce travail régulier, et bien justement vous allez mettre le doigt sur des choses sur lesquelles vous devez travailler un peu plus dur.

Travailler des émotions particulières, des personnages hors du commun ou au contraire très ordinaires et grâce à ça vous allez pouvoir déterminer vos faiblesses et ainsi travailler dur dessus.

Et c'est hyper important lorsque vous voulez par exemple monter votre bande démo.

5- Créer votre propre méthode

Lorsqu'on veut devenir acteur, et qu'on commence à se renseigner, on découvre qu'il existe pas mal de méthodes de travail.

Des écoles sont spécialisées dans telle ou telle méthode; je trouve cela assez dommage car je pense que toutes les méthodes sont bonnes; en tous cas, dans chaque méthode il y a des choses bonnes pour vous et c'est cela qui est important, c'est que vous puissiez piocher dans cette boîte à outils que des grands penseurs ou des grands acteurs ou des grands metteurs en scène ont constituée pour vous.

Vous allez donc pouvoir tester et mettre en pratique ces différentes méthodes lors de vos séances de coaching: une fois vous appréhenderez un personnage avec la méthode Strasberg, une autre fois vous allez attaquer une nouvelle émotion avec la méthode de Stanislavski, la prochaine séance je travaillerai l'Actor Studio et aujourd'hui je travaille avec la méthode de Meisner.

Au final vous aurez le choix parmi toutes les méthodes d’opter pour celle qui vous ira le mieux afin d’anticiper chaque particularité de diverses œuvres filmiques.

Pour chaque nouveau rôle, vous devrez sans cesse vous réadapter, donc il est primordial de créer votre propre boîte à outils évolutive.

conclusion / résumé

Il est important pour moi de préciser que votre travail d’acteur, d'entraînement de renforcement de vos acquis, d'apprentissage de méthodes, de techniques de jeu doit se faire avec une tierce personne !

On l’appelle coach mais vous pouvez l’appeler directeur d'acteur, vous pouvez l'appeler répétiteur, ou “ma pote comédienne qui me donne un coup de main” qu'importe, ce qui est essentiel c'est de travailler avec quelqu'un, pourquoi ?

car sur un tournage, votre premier public, donc celui ou celle qui va recevoir votre jeu, c’est bien sûr le réalisateur!

merci de m'avoir lu, à bientôt

Eddy Creuzet

Le lancement de la production d’un film : la phase de préparation d’un tournage

183:819935238 (Eddy Creuzet) — Tue, 14 Jul 2020 15:26:53 GMT

Le tournage d'un film a-t-il vraiment besoin d’une grosse préparation ?

Je vais vous parler de toutes les étapes de la préparation d'un film après l'écriture et juste avant le tournage; les prochains articles de cette série seront consacrés en détail à chaque étape.

On ne parlera pas ici de production où l'on établit un budget prévisionnel, car le sujet de la recherche de financement fera l'objet d'un autre article.

On peut inclure le repérage “décors”, disons que le repérage est à cheval entre la production et la préparation alors je vais l’inclure dans cette phase de préparation :

Le repérage est une phase très importante qui permet de déterminer chaque lieu et décor de chaque séquence de votre scénario; sans cette étape je me demande comment on peut faire un découpage ? Par exemple pour la prépa du pilote de ma web série Neïde, j'ai eu pas mal de problèmes de décors à régler avant de poursuivre la préparation.

Ensuite vient le dépouillement: le dépouillement sert à relever et à identifier tous les éléments du scénario : les rôles, véhicules, figuration, accessoires, etc.

Normalement c'est le travail du 1er assistant réalisateur mais personnellement je fais une première version puis je la lui soumets; cela me rassure pour me lancer dans la suite en n’ayant rien oublié d’essentiel.

Le casting, phase très très très importante à mes yeux est celle qui me plaît le plus.

C'est celle qui va déterminer l'incarnation de vos personnages. Ne faites pas l'erreur de choisir vos meilleurs potes pour votre premier court-métrage s'ils ne sont pas acteurs !! Optez pour des débutants s'ils ont suivi des cours de théâtre! Le personnage va porter votre histoire donc ne négligez surtout pas l'interprète !

Avec vos décors déterminés et vos acteurs trouvés, arrive le moment de faire le découpage technique.

Le découpage technique est le reflet de votre mise en scène! on peut le faire sous forme de tableau ou de listing de plans et on notera le “Comment” vous voulez filmer votre scénario : des gros plans? des mouvements de caméra? des sons particuliers? une ambiance lumineuse précise? etc.

Le découpage est fait par le réalisateur mais je conseille de le superviser avec votre chef op et votre 1er assistant lors d’une séance d'analyse du découpage car je le rappelle, le cinéma est un travail d’équipe. Même si l'idée vient d’une seule personne au départ, il faut un travail à plusieurs pour réussir à créer une oeuvre filmique.

Le plan de travail et votre planning sont mis en place par votre 1er assistant, cela permet de connaître les jours, les lieux de tournage, les séquences à tourner par jour … tout ce qui est utile pour toute l'équipe de tournage.

Je n’ai pas parlé de la constitution de votre équipe technique car je pense qu’elle se fera au fil de l'eau, à votre rythme, en parallèle avec les autres étapes. Sauf lorsque vous lancez la production, surtout une auto-production, je vous conseille de vite vous entourer de votre 1er assistant et de votre chef opérateur caméra.

Voilà merci de m'avoir lu, dans un prochain article je reviendrai en détail sur la première étape du repérage.

Eddy Creuzet

PS: Je propose des formations Vidéo prise de vue et Montage à Aix-Marseille et à distance par visio:

www.actfilm-formation.fr

Et je coache des acteurs-trices en ateliers et stages jeu-caméra à Aix-en-Provence :

https://www.acting-stage-sud.com

Pour me suivre :

Site vidéo corporate : https://www.actfilm.fr

Site film fiction : www.eddy.creuzet-realisateur.fr

Facebook : https://www.facebook.com/actfilm/

Instagram : https://www.instagram.com/eddycreuzetrealisateur/

SERIE AUDIO : LA CHEVRE DISPARUE

183:819935238 (Eddy Creuzet) — Thu, 28 May 2020 15:58:35 GMT

Actu Mai 2020

La Chèvre disparue - podcast Fiction audio

Dans un futur proche, le patriarcat est tombé, les femmes dirigent le monde et deux femmes flic, Emma capitaine et Marion nouvelle recrue en première mission vont devoir enquêter sur la disparition d'une chèvre dans une clinique privée...

Cette fiction audio a été créée et réalisée mixée par Eddy Creuzet avec les voix de Delphine Réat, Karine Peirano, Ewunia et Radya Saad.

Mastering par Manu Giet

Conception visuelle graphique Martin Praud

Enregistrement pendant le confinement avec les comédiennes dirigées par visio . Elles ont enregistré leur voix sur leur smartphones respectifs

Production ACT’film

Le montage, « On corrigera au montage « pourquoi c’est la phrase que je déteste ?

Wed, 29 Apr 2020 13:37:50 GMT

LE MONTAGE VIDÉO : UNE AUTRE ÉCRITURE DU FILM ?

Pour commencer j'aimerais pousser un coup de gueule et dire qu’il n'est plus possible d'entendre cette phrase sur un tournage : “on verra ça ou on corrigera au montage” !

Je vais essayer de donner mon point de vue sur cette étape importante de la fabrication d'un film ( fiction pub institutionnelle..)

Le montage est plus qu'une étape supplémentaire à mes yeux. Il est une forme d'écriture narrative grâce aux outils de découpes, de déplacements, de raccords de mixage, etc ...

Encore une fois, la technique de la post prod image va servir la création, l'artistique (et encore je ne parle pas ici de post-prod audio).

C’est quoi le montage techniquement ?

Il y a différentes formes de grammaire du montage, il y a le montage classique dit linéaire : l'histoire se déroule chronologiquement sous nos yeux plan après plan.

Le montage non linéaire, qui regroupe plusieurs structures par exemple, le montage alterné où l'on suit en alternance un personnage, puis l'autre et puis on revient au personnage et on reprend la suite de l'autre etc....

Le montage est une construction de film, un enchaînement de plans (voir cet article qui parle des plans cinéma). Ces plans, les uns derrière les autres forment des raccords et on pourra utiliser et travailler sur des transitions douces et/ou avec des ruptures franches. Exemple avec le fondu au noir qui permet de tourner une page, de changer de chapitre. Le fondu-enchaîné juxtapose deux images et donne aussi un effet d'ellipse comme le fondu au noir mais moins important. La transition cut, les plans s'enchaînent naturellement.

Voilà pour les principales transitions mais je ne vais pas vous faire ici un cours théorique sur le montage, pour cela je vous renvoie ici

“On verra ça ou on corrigera au montage” Pourquoi faut-il interdire cette phrase par une loi ?

C'est une phrase qui traduit un vrai manque de confiance en soi lors de la prise de vue vidéo. Cette phrase est prononcée par quelqu'un qui n'a pas eu de formation où une mauvaise formation. Lorsqu'on apprend à cadrer, lorsqu'on apprend les techniques de tournage comme régler sa caméra, apprendre les notions de mise en scène…. la seule priorité est de revenir comme je dis souvent “à la maison” avec des rushs (prises vidéo issuent de votre caméra) techniquement irréprochables : lumière, focus, cadrage, mouvement.

Considérons que nous ne sommes pas des robots donc bien sûr il arrive et il arrivera encore des erreurs humaines. Nous aurons rencontré des problèmes techniques sur le tournage qu'on espère évidemment corriger au montage.

À partir de ce principe, on considère alors le montage comme un autre moment créatif du processus de fabrication d'un film. C'est pour ça que je ne peux pas être ennuyé et passer mon temps post-prod à corriger et/ou à réparer des problèmes de prise de vue qui auraient pu être évités. Ce qui permet évidemment de nous améliorer constamment en prise de vue et garder le montage comme un petit plaisir de création !

Pourquoi le montage peut sauver un film ?

Pour revenir sur le concept que le montage est une autre écriture, une nouvelle écriture du scénario c'est lorsqu’on se rend compte au visionnage de l'assemblage de nos plans, de nos séquences qu’il manque du rythme, des ruptures, d’harmonie et d'ambiance... bref le montage vous permet de casser la chronologie de votre scénario en déplaçant les séquences sous un nouveau jour, sous un nouveau point de vue. Si vous êtes l'auteur / réalisateur c'est votre décision. C'est vous qui le sentez comme ça. Mais vos collaborateurs peuvent aussi vous aider : lorsque je monte mes propres film, je manque de recul et mon premier assistant Sébastien me prête son œil pour rythmer une séquence en déplaçant un plan, en coupant par-ci ou par là.

Pourquoi le montage audio peut tuer un film ?

C'est un cas classique lorsqu'on débute dans le montage vidéo Les erreurs techniques de base souvent qui ne se voit pas je parle de l'audio. Le monteur va se concentrer sur ce qu'il voit, donc travailler les couleurs, les lumières, le montage dynamique mais il va oublier 50 % du travail, travailler le montage du mixage audio. Je ne parle pas ici d'avoir un compositeur de musique originale ce qui évidemment est très important pour ne pas dire essentiel à l'ambiance d'un film (je considère la musique comme un autre personnage de l'histoire, du protagoniste souvent).

Un conseil, après avoir terminé le montage images, écoutez les yeux fermés votre film et concentrez-vous que sur le son. Forcément il y a un travail à faire star de la vidéo de rapport de volume de mixage...

Conclusion : soyez techniquement irréprochable !

Les deux seules règles pour avoir un bon rendu, un confort de travail pour la post-prod et ainsi garder toute votre énergie et concentration à la créativité de ce moment : c'est d'avoir filmé des belles images et avoir fait la bonne prise de son !

Mon métier de réalisateur : c’est quoi ? ?

Mon, 09 Mar 2020 09:32:54 GMT

Un réalisateur est un capitaine de bateau qui donne le cap, il tient la barre, il va guider et diriger tous les matelots pour arriver à bon port en respectant le carnet de route qu'on lui a confié. Voilà pour la métaphore. Dans la vraie vie et dans l'univers de la vidéo, le réalisateur est le garant de la mise en images d'un scénario (qu’il n’a forcément pas écrit) il est un chef de projet, un manager d'une équipe de techniciens et d'acteurs et il respecte le budget de son (producteur)client.

Dans le détail, quand je suis le Réalisateur de projet de film de communication, j'écris le scénario avec mon client ou le client l’a déjà écrit et je m'adapte à lui. Selon son budget financier, on prépare le tournage : décors, accessoires, qui fait quoi, qui dit quoi. Je propose à mon client des acteurs ou bien il a les siens et s’ils ne sont pas professionnels, je propose un coaching en amont du tournage (et une direction d’acteur sur le tournage). On écrit et on valide les dialogues pour les acteurs et je constitue mon équipe de tournage : assistant cadreur, ingénieur son... et parfois selon le manque de budget, l'équipe est réduite de deux personnes : mon assistant et moi, On s'adapte comme je vous disais plus haut.

Ensuite on programme la date du tournage et on tourne.

Pour moi le client est à la fois l'auteur et producteur de son film et je suis son réalisateur. Je pourrais aussi traduire par “le concepteur” de la vidéo.

Alors pourquoi existe-t-il ce terme vidéaste et/ou cameraman?

D’après la définition de Larousse, vidéaste = réalisateur. Je je rajouterai que vidéaste c'est un terme qu'on utilise plutôt dans l art vidéo. Le vidéaste est un plasticien il va créer une œuvre artistique qu'on pourra retrouver dans des spectacles galerie d'art exposition culturel et cetera.

Alors c'est quoi un cameraman ?

c'est un professionnel de la caméra sous les ordres d'un réalisateur. Il doit avoir la connaissance de la technique de prise de vue cinéma, de la lumière et avec des notions d’audio, un minima. (c’est mon avis). On peut être Réalisateur /cadreur (caméraman).

Durant mon activité depuis 17 ans maintenant, si je fais le bilan, j'étais la plupart du temps réalisateur d'un client qui ne s'y connaissait absolument rien en terme de vidéo et qui me laissait faire mon boulot en confiance ( avec bien sûr toutes les étapes validées avec lui, rien n’est laissé au hasard et le client n'a pas de surprise à la fin)

Certaines fois, le client avait des notions vidéo avec des idées précises des images qu’il voulait avoir. Il avait écrit le scénario et donc naturellement, je me suis positionné en tant que chef-opérateur/cadreur : derrière la caméra à gérer le cadre vidéo et la lumière pour créer l'ambiance qu'il souhaitait.

Les fois où j'ai été caméraman (et je ne dirai pas “simplement” caméraman car ce poste n'est pas plus simple !) c'est lors de captations. Captations en direct de conférences, de spectacle, de discours... L'exercice est en live et demande une grande concentration car rien n’est prévu à l'avance. Il faut que la prise de vue soit en permanence bien cadrée, bien éclairée et toujours nette bien évidemment sur une durée assez longue 1 à 3h de prestation.

Pour conclure, je suis réalisateur ET chef-opérateur/cadreur vidéo selon les cas.

Sur mes propres projets de fictions, courts-métrages et séries web, je suis Auteur-Réalisateur (et cadreur mais pas toujours), et j'aime écrire à plusieurs afin d’avoir des idées foisonnantes puis écrire une histoire excitante.

Comment un plan vidéo raconte une histoire ?

Mon, 09 Mar 2020 09:32:54 GMT

Le débat est ouvert et restera ouvert sur ces questions. Un certain consensus s’est imposé quand même au fil des années. Il existe un réflexe: celui d’opposer acteur et comédien comme on confronte cinéma et théâtre. Certains l’expliquent ainsi : l’acteur pour le cinéma et le comédien pour le théâtre.

Je parle de réflexion pour faire la différence avec une information ou une formation théorique, ce n'est pas le sujet de cet article car la fabrication d'un plan cinéma est propre à chaque réalisateur avec, je pense, certains points communs. Quand je pose la question comment un plan vidéo (un plan cinéma) raconte une histoire, ce n'est pas moins une question qu’une affirmation à mon sens. Je continue à attirer votre attention (pour éviter d'avoir des injures) que ceci est un article subjectif qui n’engage que moi. C'est aussi un article qui s'adresse aux acteurs qui souhaitent prendre conscience de la manière dont ils sont filmés et pourquoi.

Un Plan c’est quoi ?

C'est le cadre de la caméra qui filme un champ de vision dans lequel se trouvent par exemple un décor, les accessoires et les acteurs. Un plan c’est comment la caméra est positionnée, ce qu'elle filme et comment. Un plan est au service du scénario. Pour fabriquer un plan on doit se poser des questions techniques, esthétiques et narratives.

Pour la partie technique, on peut suivre simplement les règles du découpage et on peut aussi “casser ses règles” car cela va raconter une autre histoire. Voici un exemple : lorsqu'on cadre un personnage en plan rapproché, on doit lui laisser de l'espace devant son regard pour respecter la règle des tiers, sans rentrer dans les détails c'est un équilibre de l'image entre le personnage, son décor et un autre personnage. Mais si on veut raconter que ce personnage a un problème existentiel lié à la situation, on peut le mettre “au bord du cadre”, c'est-à-dire lui retirer tout espace devant le visage et on va créer une sensation d'étouffement, d’enfermement. Ce plan va accentuer la problématique psychologique de notre personnage.

La Lumière est la source de votre image .

Sur un tournage, il y a un chef opérateur ( directeur de la photo) qui s'occupe de régler les lumières, pour que la caméra en reçoive une quantité suffisante. Il gère également sa qualité esthétique ou la plupart des cas, narrative ! Une lumière dans un plan va souligner, amplifier, et/ou va accompagner l’histoire. On peut reproduire la lumière d’un décor créé ou d’un décor naturel dans lequel on tourne. Par exemple,si la lumière rentre par une fenêtre alors on placera un spot devant celle-ci. Ou pour reproduire la lumière artificielle du plafonnier, on fixera des spots au plafond. Une fois le réalisateur demandera une lumière puissante presque aveuglante parce que la situation est tendue, une autre fois il voudra une lumière douce, feutrée et enveloppante pour une scène d'émotion ou encore une lumière directive sur un personnage pour un interrogatoire de police où les ombres d'un côté du visage seront bien marquées.

Le mouvement de la caméra également raconte l'histoire du plan .

Prenons l’exemple du fameux plan séquence : c'est-à-dire que toute la scène est filmée sans couper la caméra. Le plan séquence raconte une histoire avec une sensation “de direct” pour, par exemple, présenter des personnages, un lieu, une course poursuite ou une scène de bagarre ou encore pour immerger totalement le spectateur dans cette action. Autre exemple le travelling : le déplacement de la caméra vers un point donné. Un long traveling avant commence en large et s'approche doucement, très doucement pour finir sur le visage d'un comédien. Ce mouvement va susciter peut-être un suspense dans l'esprit du spectateur.

Il y a bien sûr bien d'autres critères pour faire “parler un plan comme par exemple la couleur choisie… Autant qu’il y a d'interprètes de l’image.

Le plan cinéma est un langage

C'est passionnant de savoir que le plan fait partie intégrante du langage cinéma. Il permet d’émouvoir le spectateur, le faire réagir et l'immerger dans le film. C'est un langage sensoriel dans lequel le plan est à l’instar du mot dans une phrase, d’une expression dans un texte. Le plan peut être aussi un chapitre entier pour un roman. Il est à la fois “micro”, infiniment petit, comme “macro”, infiniment grand, dans l'importance symbolique qu’on lui donne. Il est à l'image du morceau de puzzle. S’il manque un plan, attention à la faute de raccord !

En commentaire, donnez-moi votre propre réflexion autour du plan vidéo cinéma, cela m'intéresserait vraiment !

merci de m'avoir lu à bientôt

Qu’est ce qu’ un acteur(trice) ? ou bien un comédien(ne) ? Quelles différences ?

Mon, 09 Mar 2020 09:32:54 GMT

Évitons cependant de tout opposer systématiquement , je préfère différencier et associer si c’est possible.

L’art de jouer la comédie peut tour à tour utiliser le concept de L’acteur et celui du comédien.

Alors qu’elle est cette différence entre Acteur et Comédien?

De mon point de vue ( toujours dans ce blog CQFD), ê tre Acteur, c’est l’idée selon laquelle on invoque son MOI intérieur, l’on travaille un rôle avec son propre matériel : son corps, sa voix et l’on pourra y greffer quelques couches de “caractérisation” du personnage.

Être Comédien ; c’est l’idée selon laquelle l'incarnation est optimale dans le personnage au point de s'oublier : on peut ne pas vous reconnaître physiquement, vous changez votre voix, votre démarche, vos yeux (avec des lentilles) …

Exemples ?

Voici des exemples pour illustrer mes propos: Vincent Lindon est un acteur, il va interpréter le personnage avec ce qu’il est ! Il peut y ajouter un changement d’allure, de gestes (autour de la profession du personnage par exemple) mais globalement on va reconnaître le jeu de Vincent de Lindon (avec ou sans “moustache”) dans toute sa filmographie (à part quelques exceptions)

A contrario, Joaquin Phoenix, a incarné le Joker dernièrement : il a perdu 11 kilos, créé le rire du Joker, le costume, ses cheveux…

Ça c’est pour l'extérieur du rôle . En matière de Jeu, c’est la même chose. L’acteur ne va s’investir autant que le comédien dans un rôle et sera moins impacté psychologiquement après le tournage que certains artistes. C’est en théorie et n’est pas systématique évidemment ! Prenez l’exemple des films de comédie, l'artiste interprète est acteur pour jouer “le beau-frère rigolo” et le même artiste sera comédien pour jouer dans un drame, un soldat de la guerre de 14/18…

Le travail de préparation ne sera pas le même !

Être Acteur et/ou Comédien comment choisir ?

À priori vous n'avez pas à faire ce choix puisque cela dépendra du rôle proposé dans un projet. Si vous décrochez un rôle dans une série TV quotidienne, vous allez être acteur, faire vivre le personnage dans son quotidien avec les autres personnages dans une production de tournage rapide où la préparation du personnage sera succincte.

Si vous décrochez un rôle dans un film de genre, par exemple (thriller, fantastique, horreur) vous êtes comédien pour incarner un personnage mi-bête, mi humaine.

Pour terminer, voici mon conseil: travailler en dehors des tournages sur des personnages qui s'éloignent de vous , cherchez à l'Intérieur de vous et à l'extérieur de vous des comportements, des situations hors normes. Travaillez les avec vos camarades comédiens ou dans des ateliers acting. Cela participe également à un travail d'introspection. Vous allez découvrir des choses en vous que vous n'aurez pas soupçonné. Cela vous donnera plus de confiance pour les prochains tournages en tant qu'Acteur. ( et les castings aussi of course)

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