Comment un plan vidéo raconte une histoire ?

eddy creuzet • 9 mars 2020

Le débat est ouvert et restera ouvert sur ces questions. Un certain consensus s’est imposé quand même au fil des années. Il existe un réflexe: celui d’opposer acteur et comédien comme on confronte cinéma et théâtre. Certains l’expliquent ainsi : l’acteur pour le cinéma et le comédien pour le théâtre.

Je parle de réflexion pour faire la différence avec une information ou une formation théorique, ce n'est pas le sujet de cet article car la fabrication d'un plan cinéma est propre à chaque réalisateur avec, je pense, certains points communs. Quand je pose la question comment un plan vidéo (un plan cinéma) raconte une histoire, ce n'est pas moins une question qu’une affirmation à mon sens. Je continue à attirer votre attention (pour éviter d'avoir des injures) que ceci est un article subjectif qui n’engage que moi. C'est aussi un article qui s'adresse aux acteurs qui souhaitent prendre conscience de la manière dont ils sont filmés et pourquoi.


Un Plan c’est quoi ?

C'est le cadre de la caméra qui filme un champ de vision dans lequel se trouvent par exemple un décor, les accessoires et les acteurs. Un plan c’est comment la caméra est positionnée, ce qu'elle filme et comment. Un plan est au service du scénario. Pour fabriquer un plan on doit se poser des questions techniques, esthétiques et narratives.

 Pour la partie technique, on peut suivre simplement les règles du découpage et on peut aussi “casser ses règles” car cela va raconter une autre histoire. Voici un exemple : lorsqu'on cadre un personnage en plan rapproché, on doit lui laisser de l'espace devant son regard pour respecter la règle des tiers, sans rentrer dans les détails c'est un équilibre de l'image entre le personnage, son décor et un autre personnage. Mais si on veut raconter que ce personnage a un problème existentiel lié à la situation, on peut le mettre “au bord du cadre”, c'est-à-dire lui retirer tout espace devant le visage et on va créer une sensation d'étouffement, d’enfermement. Ce plan va accentuer la problématique psychologique de notre personnage. 

 

La Lumière est la source de votre image

Sur un tournage, il y a un chef opérateur ( directeur de la photo) qui s'occupe de régler les lumières, pour que la caméra en reçoive une quantité suffisante. Il gère également sa qualité esthétique ou la plupart des cas, narrative ! Une lumière dans un plan va souligner, amplifier, et/ou va accompagner l’histoire. On peut reproduire la lumière d’un décor créé ou d’un décor naturel dans lequel on tourne. Par exemple,si la lumière rentre par une fenêtre alors on placera un spot devant celle-ci. Ou pour reproduire la lumière artificielle du plafonnier, on fixera des spots au plafond. Une fois le réalisateur demandera une lumière puissante presque aveuglante parce que la situation est tendue, une autre fois il voudra une lumière douce, feutrée et enveloppante pour une scène d'émotion ou encore une lumière directive sur un personnage pour un interrogatoire de police où les ombres d'un côté du visage seront bien marquées.


Le mouvement de la caméra également raconte l'histoire du plan

Prenons l’exemple du fameux plan séquence : c'est-à-dire que toute la scène est filmée sans couper la caméra. Le plan séquence raconte une histoire avec une sensation “de direct” pour, par exemple, présenter des personnages, un lieu, une course poursuite ou une scène de bagarre ou encore pour immerger totalement le spectateur dans cette action. Autre exemple le travelling : le déplacement de la caméra vers un point donné. Un long traveling avant commence en large et s'approche doucement, très doucement pour finir sur le visage d'un comédien. Ce mouvement va susciter peut-être un suspense dans l'esprit du spectateur.

Il y a bien sûr bien d'autres critères pour faire “parler un plan comme par exemple la couleur choisie… Autant qu’il y a d'interprètes de l’image.

Le plan cinéma est un langage

C'est passionnant de savoir que le plan fait partie intégrante du langage cinéma. Il permet d’émouvoir le spectateur, le faire réagir et l'immerger dans le film. C'est un langage sensoriel dans lequel le plan est à l’instar du mot dans une phrase, d’une expression dans un texte. Le plan peut être aussi un chapitre entier pour un roman. Il est à la fois “micro”, infiniment petit, comme “macro”, infiniment grand, dans l'importance symbolique qu’on lui donne. Il est à l'image du morceau de puzzle. S’il manque un plan, attention à la faute de raccord !

En commentaire, donnez-moi votre propre réflexion autour du plan vidéo cinéma, cela m'intéresserait vraiment !

 merci de m'avoir lu à bientôt 



Partager

par Eddy Creuzet 3 décembre 2025
Animations teambuilding vidéo à Aix et Marseille : ateliers créatifs pour renforcer la cohésion, créer un film d’équipe et dynamiser vos séminaires d’entreprise.
par Eddy Creuzet 26 novembre 2025
9 astuces pour filmer à main levée sans trembler : posture, focale, démarche ninja, et poids de caméra pour une image fluide et naturelle.
par Eddy Creuzet 19 novembre 2025
Faut-il filmer à deux caméras ? Avantages, limites et conseils pour choisir entre authenticité du multicam et précision d’une seule caméra.
par Eddy Creuzet 12 novembre 2025
Comprendre l’exposition carrée en vidéo Pour rappel, l’exposition triangulaire, c'est quoi ? Traditionnellement, l’exposition repose sur trois réglages fondamentaux : L’ouverture du diaphragme (f/) : contrôle la quantité de lumière qui entre dans l’objectif. La vitesse d’obturation (shutter speed) : détermine combien de temps la lumière atteint le capteur. La sensibilité ISO : règle la manière dont le capteur réagit à la lumière. Ces trois paramètres forment le triangle de l’exposition : toucher à l’un oblige à ajuster les deux autres pour garder la même luminosité.
par Eddy Creuzet 5 novembre 2025
Choisir la bonne fréquence d’image : comprendre avant de tourner Tourner à 100 images par seconde peut sembler tentant, mais ce n’est pas toujours judicieux. Chaque cadence a un rôle précis, et la maîtriser permet d’obtenir une image cohérente, fluide et adaptée à l’intention de tournage. Comprendre les fréquences d’images, c’est éviter les pièges du “tout au ralenti” et retrouver du sens dans le mouvement filmé.
par Eddy Creuzet 15 août 2025
La composition de l'image vidéo et du cinéma est un élément crucial de la création cinématographique et de la réalisation vidéo. La composition désigne l'organisation des éléments visuels dans le cadre de l'image , tels que les personnages, les décors, les objets, les couleurs, les lumières et les ombres. Elle permet de donner un sens à l'image, de transmettre des émotions et de raconter une histoire. L'origine de la composition remonte à l'Antiquité , où les artistes et les sculpteurs grecs utilisent des règles de proportion et de symétrie pour créer des œuvres d'art équilibrées et harmonieuses. Au fil des siècles, ces règles ont été adaptées à la photographie, au cinéma et à la vidéo pour créer des images esthétiquement agréables et émotionnellement captivantes. Il existe plusieurs techniques de composition d'image, chacune ayant ses propres règles et principes. En voici quelques exemples : La règle des tiers : Il s'agit de la technique de composition la plus courante. Le cadre est divisé en neuf parties égales à l'aide de deux lignes horizontales et de deux lignes verticales imaginaires. Les points d'intersection de ces lignes sont représentés comme les points forts de l'image, où les éléments importants doivent être représentés. Le centrage : Cette technique consiste à placer l'élément principal de l'image au centre du cadre, ainsi qu'un effet de symétrie et de stabilité. Le cadrage serré : Cette technique consiste à cadrer l'image très près du sujet, permettant ainsi un effet d'intimité et d'immersion. La profondeur de champ : Cette technique consiste à utiliser une ouverture de diaphragme pour créer une zone de netteté sur un plan précis de l'image, tandis que le reste de l'image est flou. Cela permet de mettre en valeur le sujet principal de l'image. La ligne de fuite : Cette technique consiste à utiliser une ligne diagonale ou courbe pour guider l'œil du spectateur à travers l’image. En plus de ces techniques de composition, il est important de tenir compte de la couleur, de la lumière et de l'ombre pour créer des images esthétiquement agréables et émotionnellement captivantes. En conclusion, la composition de l'image vidéo et du cinéma est un élément crucial de la création cinématographique et de la réalisation vidéo. Il existe plusieurs techniques de composition, chacune ayant ses propres règles et principes. Il est important de tenir compte de la couleur, de la lumière et de l'ombre pour créer des images esthétiquement agréables et émotionnellement captivantes. Et petite astuce pour terminer: attendez de bien maîtriser votre composition avant de vouloir "casser les règles" . C'est ce que font la plupart des cinéastes qui veulent déséquilibrer leur cadre pour participer au déséquilibre de leurs personnages ou de leur situation. Merci de m'avoir lu Eddy Creuzet Je suis Chef opérateur camera fiction, Pub ou Corporate depuis + de 20 ans https://www.eddycreuzet.fr/chef-operateur-camera Pour me suivre : Site vidéo corporate : https://www.actfilm.fr Site Chef op, Coach d'acteur et formateur vidéo : https://www.eddycreuzet.fr Instagram : https://www.instagram.com/eddycreuzet
par Eddy Creuzet 28 février 2024
Le nombre d'or est un concept mathématique qui a été découvert par les anciens Grecs et qui a été utilisé en art et en architecture depuis l'Antiquité. Il est considéré comme étant une proportion esthétiquement agréable, qui est souvent utilisée dans la composition d'images, notamment en photographie et en cinéma. Le nombre d'or est une proportion mathématique qui est égale à environ 1 618. Cette proportion est considérée comme étant esthétiquement agréable car elle est présente dans la nature, par exemple dans l a spirale d'une coquille de nautil e ou dans la disposition des feuilles sur une tige. En ce qui concerne la composition d'images, le nombre d'or est souvent utilisé pour déterminer l'emplacement des éléments clés de l'image. Par exemple, dans un plan large, l'horizon sera souvent placé au niveau de la ligne d'or du haut ou du bas de l'image , selon la présence ou non d'un élément important en premier ou en second plan. Le nombre d'or peut également être utilisé pour déterminer l'emplacement des points focaux dans l'image. Par exemple, dans un portrait, les yeux du sujet peuvent être placés à la hauteur de la ligne d'or pour créer une composition esthétiquement agréable. En ce qui concerne l'utilisation du nombre d'or dans le cinéma, il est souvent utilisé dans la composition des plans et des cadres. De nombreux réalisateurs, tels que Sergio Leone dans le film "Le Bon, la Brute et le Truand", utilisent le nombre d'or pour créer des plans équilibrés et esthétiquement agréables. En France, Jean-Pierre Jeunet utilise également le nombre d'or dans ses films, notamment dans "Amélie Poulain", pour créer des plans qui sont à la fois équilibrés et visuellement intéressants. Aux États-Unis, Stanley Kubrick était également connu pour utiliser le nombre d'or dans la composition de ses plans, notamment dans le film "2001, l'Odyssée de l'espace". En Italie, Federico Fellini était également connu pour utiliser le nombre d'or dans la composition de ses plans, notamment dans le film "La Dolce Vita". En conclusion, le nombre d'or est un concept mathématique qui est souvent utilisé dans la composition d'images, notamment en photographie et en cinéma. Il est considéré comme étant esthétiquement agréable et est utilisé par de nombreux réalisateurs pour créer des plans équilibrés et visuels intéressants. Et petite astuce pour terminer: exercez-vous à cadrer en suivant le nombre d'or avec la photographie Merci de m'avoir lu Eddy Creuzet Je suis Chef opérateur camera fiction, Pub ou Corporate depuis + de 20 ans https://www.eddycreuzet.fr/chef-operateur-camera Pour me suivre : Site vidéo corporate : https://www.actfilm.fr Site Chef op, Coach d'acteur et formateur vidéo : https://www.eddycreuzet.fr Instagram : https://www.instagram.com/eddycreuzet
par Eddy Creuzet 14 février 2024
La compression vidéo est un élément clé dans le processus de production vidéo. Elle permet de réduire la taille des fichiers vidéo tout en préservant la qualité de l'image. Dans cet article, nous allons explorer en détail les différentes techniques de compression vidéo utilisées dans les caméras cinéma, ainsi que les notions de débit vidéo, de Codec, de Raw et de Raw compressé. La compression vidéo dans les caméras cinéma La compression vidéo est utilisée dans les caméras cinéma pour réduire la taille des fichiers vidéo afin de faciliter le stockage et la transmission des données. Les caméras cinéma modernes utilisent généralement des codecs de compression Les codecs sont des programmes de compression vidéo qui permettent de réduire la taille des fichiers vidéo tout en préservant la qualité de l'image. Les codecs les plus courants sont H.264, H.265, ProRes, DNxHD et CinemaDNG. Le H.264 est le codec le plus utilisé dans le monde de la vidéo, il est utilisé dans la plupart des caméras cinéma grand public. Le H.265 est une version plus récente et plus avancée du H.264, qui permet une compression plus efficace des fichiers vidéo 4K. Le ProRes et le DNxHD sont des codecs de qualité professionnelle utilisés dans les caméras cinéma haut de gamme. Le CinemaDNG est un codec non compressé qui permet de conserver la qualité de l'image originale. Le débit vidéo Le débit vidéo fait référence à la quantité de données vidéo dégradées par seconde . Il est généralement mesuré en kilobits par seconde (Kbps) ou en mégabits par seconde (Mbps). Le débit vidéo peut avoir une incidence sur la qualité de l'image et la fluidité du mouvement. Le Raw et le Raw compressé Le Raw est un format d'enregistrement vidéo non compressé qui permet de capturer toutes les données de l'image . Cela permet une grande flexibilité lors du processus de post-production, car l'utilisateur peut ajuster les paramètres tels que l'exposition, la balance des blancs et la saturation de la couleur. Cependant, les fichiers Raw sont très volumineux et bénéficient d'une capacité de stockage importante. Le Raw compressé est une version du format Raw qui utilise une compression vidéo sans perte pour réduire la taille des fichiers. Cette compression permet de conserver toutes les informations de l'image, tout en pensant à la taille des fichiers pour faciliter le stockage et la transmission des données. Exemples de films Le codec ProRes est largement utilisé dans les productions cinématographiques professionnelles, notamment dans les films de Christopher Nolan tels que "Dunkerque" et "Interstellar". Le codec DNxHD est également utilisé dans les productions cinématographiques haut de gamme, telles que "La La Land" et "Blade Runner 2049". Le codec CinemaDNG est couramment utilisé dans les productions cinématographiques indépendantes, telles que "Upstream Color" et "Tangerine". En conclusion, la compression vidéo est un élément essentiel de la production cinématographique moderne. Elle permet de réduire la taille des fichiers vidéo tout en préservant la qualite de l’image Et petite astuce pour terminer: inutile de toujours choisir une compression très faible en considérant que vous aurez la meilleure qualité votre image. La compression est déterminée en fonction de la finalité : où sera visionner votre vidéo ? Merci de m'avoir lu Eddy Creuzet Je suis Chef opérateur camera fiction, Pub ou Corporate depuis + de 20 ans https://www.eddycreuzet.fr/chef-operateur-camera Pour me suivre : Site vidéo corporate : https://www.actfilm.fr Site Chef op, Coach d'acteur et formateur vidéo : https://www.eddycreuzet.fr Instagram : https://www.instagram.com/eddycreuzet
par Eddy Creuzet 7 février 2024
En cinématographie, l'exposition de l'image est un élément crucial de la qualité de l'image finale. L'exposition correspond à la quantité de lumière qui entre dans la caméra pour l'ancienne image. Il y a plusieurs facteurs qui peuvent affecter l'exposition, tels que l'ouverture, la vitesse d'obturation et les ISO. Cependant, il y a une solution simple et pratique pour régler l'exposition dans certaines situations : le filtre ND. Le filtre ND, ou filtre à densité neutre, est un filtre qui réduit la quantité de lumière qui a atteint le capteur de la caméra. Cela permet d'augmenter le temps d'exposition sans affecter la qualité de l'image. Le filtre ND est particulièrement utile dans les situations où il y a trop de lumière ambiante, comme en extérieur par une journée ensoleillée. Sans filtre ND, la caméra ne pourrait pas exposer correctement l'image, ce qui se traduirait par une image surexposée. Le filtre ND est disponible en différentes densités, chacune correspondant à une réduction de lumière différente. Les densités les plus courantes sont ND2 (réduit la lumière de moitié), ND4 (réduit la lumière de 2 diaphragmes), ND8 (réduit la lumière de 3 diaphragmes) et ND16 (réduit la lumière de 4 diaphragmes). Il est important de noter que les filtres ND peuvent également avoir des effets secondaires sur l'image, comme une légère modification de la couleur ou du contraste. La règle du triangle d'exposition stipule que l'exposition correcte est obtenue en équilibrant les trois éléments suivants : l'ouverture, la vitesse d'obturation et les ISO. En utilisant un filtre ND, on peut augmenter le temps d'exposition tout en maintenant l'ouverture et les ISO à un niveau approprié. Cela permet de maintenir un équilibre parfait entre ces trois éléments. Le filtre ND a été utilisé dans de nombreux films célèbres, tels que "The Revenant" de Alejandro G. Iñárritu, dans lequel le directeur de la photographie, Emmanuel Lubezki, a utilisé des filtres ND pour créer des images sublimes en pleine nature. De même, dans "Mad Max : Fury Road" de George Miller, les filtres ND ont été utilisés pour capturer des images de désert éblouissantes tout en maintenant une exposition correcte. Et petite astuce pour terminer: utiliser votre filtre ND pour maintenir votre plus grande ouverture et ainsi garder une très faible profondeur de champ ( flou arrière plan) Merci de m'avoir lu Eddy Creuzet Je suis Chef opérateur camera fiction, Pub ou Corporate depuis + de 20 ans https://www.eddycreuzet.fr/chef-operateur-camera Pour me suivre : Site vidéo corporate : https://www.actfilm.fr Site Chef op, Coach d'acteur et formateur vidéo : https://www.eddycreuzet.fr Instagram : https://www.instagram.com/eddycreuzet
par Eddy Creuzet 29 janvier 2024
La balance des blancs est un paramètre important de l'image cinématographique, qui permet d'ajuster les couleurs pour obtenir une image fidèle à la réalité et à l'ambiance voulue. La balance des blancs est un processus de calibrage de la caméra q ui permet de régler la température de couleur en fonction de la lumière ambiante. Origines de la balance des blancs La balance des blancs tire son origine des techniques de la photographie argentique. Dans le passé, les photographes utilisaient des filtres de couleur pour ajuster la température de couleur de la lumière et obtenir des images avec une balance des blancs précise. Aujourd'hui, les caméras cinématographiques modernes disposent de réglages de balance des blancs qui permettent d'ajuster la température de couleur de l'image en temps réel. la température de couleur est une mesure courante utilisée en photographie et en vidéo pour décrire la balance des blancs. Cette mesure fait référence à la température à laquelle un corps noir émet une lumière de couleur similaire à celle de la source de lumière que l'on souhaite équilibrer. Le corps noir est un objet hypothétique qui absorbe complètement la lumière incidente et qui, en conséquence, émet de la lumière uniquement en fonction de sa température. Ainsi, lorsqu'un corps noir est chauffé, il émet une lumière dont la couleur dépend de la température de l'objet. Cette relation entre la température et la couleur de la lumière émise par un corps noir est appelée loi de Planck. En ce qui concerne l'expérience, la théorie du corps noir a été développée au XIXe siècle par des physiciens tels que Max Planck et Wilhelm Wien, qui ont illustré la manière dont les objets émettent et absorbant la lumière en fonction de leur température. L'expérience du corps noir consiste à chauffer un objet, généralement une cavité en métal, jusqu'à ce qu'ilte de la lumière. La couleur de cette lumière dépend de la température de l'objet, conformément à la loi de Planck. Cette expérience a permis de comprendre la nature de la lumière et a jeté les bases de la physique quantique. La température de couleur est donc une mesure de la couleur de la lumière émise par une source lumineuse, exprimée en degrés Kelvin (K). Cette mesure est utilisée pour décrire la balance des blancs car elle permet de définir une référence pour la couleur de la lumière blanche. En ajustant la balance des blancs de la caméra en fonction de la température de la lumière ambiante, il est possible d'obtenir des couleurs plus précises et plus naturelles dans l'image. Il convient de noter que la température de couleur est une mesure relative et que différents types de lumières peuvent avoir des températures de couleur différentes même s'ils sont tous qualifiés de "blancs". Par exemple, la lumière du jour à une température de couleur d'environ 5500 K, tandis que la lumière des ampoules à incandescence peut avoir une température de couleur d'environ 2700 K. Applications de la balance des blancs La balance des blancs est un paramètre important dans la cinématographie, car elle permet de créer l'ambiance visuelle voulue dans un film. Par exemple, pour une scène nocturne, une balance des blancs plus chaude (jaune-orange) peut être utilisée pour créer une ambiance chaleureuse et intimiste. En revanche, pour une scène en plein jour, une balance des blancs plus froide (bleue) peut être utilisée pour créer une ambiance plus froide et stérile. Exemples de films Dans le film sud-coréen "Parasite" (2019), réalisé par Bong Joon-ho et photographié par Hong Kyung-pyo, la balance des blancs est utilisée pour créer des ambiances différentes en fonction des scènes. Par exemple, les scènes dans la maison des richesses sont filmées avec une balance des blancs plus froide, permettant ainsi une ambiance de froideur et de distance sociale. En revanche, les scènes dans la maison des pauvres sont filmées avec une balance des blancs plus chaude, ainsi une ambiance plus chaleureuse et familiale. Dans le film américain "Her" (2013), réalisé par Spike Jonze et photographié par Hoyte Van Hoytema, la balance des blancs est utilisée pour créer une atmosphère futuriste et technologique. Les scènes du film ont une balance des blancs plus froide, avec une teinte bleue qui renforce l'aspect futuriste de l'histoire. En conclusion, la balance des blancs est un paramètre important de l'image cinématographique qui permet de régler la température de couleur en fonction de l'ambiance voulue. Les réalisateurs et les directeurs de la photographie doivent donc être attentifs à leur choix de balance des blancs pour créer l'ambiance visuelle souhaitée dans leur film. Et petite astuce pour terminer: régler votre balance des blancs sur la référence 5600k et modifier la température sur votre logiciel à l'aide de la pipette colorimétrique pour créer votre propre ambiance colorimétrique. Merci de m'avoir lu Eddy Creuzet Je suis Chef opérateur camera fiction, Pub ou Corporate depuis + de 20 ans https://www.eddycreuzet.fr/chef-operateur-camera Pour me suivre : Site vidéo corporate : https://www.actfilm.fr Site Chef op, Coach d'acteur et formateur vidéo : https://www.eddycreuzet.fr Instagram : https://www.instagram.com/eddycreuzet